La Valdichiana

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Storie dal Territorio della Valdichiana

Tag: musica

Contrabbasso e voce, concerto di Musica Nuda a Chianciano Terme

Il duo Musica Nuda, in concerto venerdì 13 settembre, alle 21.30, al teatro Caos di Chianciano Terme, si presenta come l’esito ben riuscito dell’incontro tra destino e talento. Petra Magoni…

Il duo Musica Nuda, in concerto venerdì 13 settembre, alle 21.30, al teatro Caos di Chianciano Terme, si presenta come l’esito ben riuscito dell’incontro tra destino e talento. Petra Magoni e Ferruccio Spinetti compongono questo duo dal 2003, quando lei era una cantante solista con già quattro album all’attivo e lui il contrabbassista degli Avion Traviel. Proprio il successo inaspettato del loro primo concerto, in cui Ferruccio all’ultimo minuto si trovò a suonare a fianco di Petra, li ha esortati a proseguire, a preparare un repertorio e pubblicare un album. Da lì, ad aspettare i Musica Nuda c’è stato un continuo susseguirsi di album e concerti, come loro stessi raccontano in questa intervista a poche ore dal concerto che li vedrà protagonisti della rassegna Chianciano Terme da Vivere.

«Il nostro duo e’ nato per gioco nel 2003. Nessuno di noi pensava all’inizio di dar vita ad un sodalizio artistico che va avanti oramai da 17 anni, più di 1500 concerti in tutto il mondo, 11 cd ed un dvd. Abbiamo avuto premi e riconoscimenti, soprattutto da parte del pubblico,  che ci hanno dato la spinta di credere giorno dopo giorno nella bontà del lavoro che stavamo facendo. E anche all’unicità del nostro progetto, un duo composto solo da una voce e un contrabbasso».

Che tipo di brani comprende il vostro repertorio e quali di questi saranno eseguiti a Chianciano?

«Il nostro repertorio è un mix tra cover del mondo pop come i Beatles o Sting, brani del songbook cantautorale italiano come Battisti, Paolo Conte, Tenco o ancora brani del repertorio classico, come Monteverdi e Bach, e brani originali scritti da noi o da amici come Pacifico, Frankie Energy, Luigi Salerno, Alessio Bonomo, Avion Travel.
Avendo più di 300 brani in repertorio ogni nostro concerto è unico, nel senso che decidiamo la scaletta il giorno stesso del concerto, lasciandoci trasportare anche dal luogo dove ci esibiremo o dalla propensione a suonare determinati brani quel giorno».

Ci sono state collaborazioni con altri interpreti o musicisti in questi anni?

«Certo, Musica Nuda non e’ una gabbia. Già nel 2006 il nostro secondo album Musica Nuda 2, era un doppio cd con, da una parte, solo brani del duo, e con dall’altra duetti preparati con tanti ospiti. Nel 2013, invece, per i 10 anni di Musica Nuda, abbiamo dato vita a Banda Larga, un disco arricchito dalla presenza di un’orchestra sinfonica e dagli arrangiamenti orchestrali di Daniele di Gregorio, che ha suonato anche la marimba ed il vibrafono in alcuni brani. Abbiamo avuto poi la gioia di duettare con Al Jarreau, di cui abbiamo aperto il tour tedesco nel 2010. Ogni incontro, ogni collaborazione ti fa crescere, soprattutto se trovi musicisti sensibili e bravi come abbiamo avuto la fortuna di incontrare sulla nostra strada».

Siete portati a seguire un procedimento particolare nella preparazione dei vostri brani?

«Non ci sono regole. A volte nasce prima la musica, altre volte il testo».

Applicate un certo tipo di studio o ricerca sulla vostra musica?

«La nostra e’ una ricerca continua sui nostri strumenti, contrabbasso e voce. Cerchiamo di esplorare nuove soluzioni, ci definiamo un po’ dei “geologi” della musica e, in un certo senso, anche artigiani: poco computer, molta manualità».

Inserite anche contaminazioni con altri generi musicali?

«Nel mio caso – risponde Ferruccio – il Brasile e’ stato semplicemente fondamentale. Mi è sempre piaciuto quel caratteristico modo di scrivere, partendo dallo choro, fino alla bossanova, ed al Tropicalismo di Veloso. Ho avuto la fortuna di incidere due dischi con un altro gruppo che si chiama InventaRio, composto da me, Francesco Petreni, Giovanni Ceccarelli e Dadi Carvalho, di cui uno dedicato alla musica di Ivan Lins che ci è valso anche una nomination ai Grammy Awards 2015 nella sezione Musica Popolare Brasiliana».

Quali sono le suggestioni e le emozioni che, più di altre, cercate di suscitare nel pubblico durante i concerti?

«Basta pensare che la gente che esce dal teatro dopo un nostro concerto sia felice d’aver passato un’ora e mezza di spensieratezza, di serenità. Di aver riso o di essersi emozionata su una parola o su una nota. Mi piace l’idea che la nostra musica possa far compagnia a chi ci ascolta sia dal vivo che nella vita di tutti i giorni. Non ho mai suonato per insegnare qualcosa o mandare dei messaggi politici. Mi piace pensare che quando suoneremo in Austria, Portogallo, USA, come accadrà nei prossimi mesi di ottobre e novembre, la nostra musica non avrà confini. Sarebbe bello un mondo senza barriere ideologiche e culturali. Con dei porti che accolgono… invece che respingono, ovviamente con delle regole da rispettare, ma con una buona dose d’umanità alla base di tutto».

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I Dudes: “Prendiamo quello che viene e facciamo sentire la nostra musica”

I Dudes sono un quartetto alternative rock di Chiusi composto da Matteo Micheletti (voce e chitarra), Gianluca Lorenzoni (basso), Andrea Fei (batteria e sintetizzatore) e Mattia Mignarri (chitarra). Li abbiamo…

I Dudes sono un quartetto alternative rock di Chiusi composto da Matteo Micheletti (voce e chitarra), Gianluca Lorenzoni (basso), Andrea Fei (batteria e sintetizzatore) e Mattia Mignarri (chitarra). Li abbiamo conosciuti nel settembre del 2016, quando avevano appena cominciato a calcare i palchi del nostro territorio. Dopo tre anni esatti li abbiamo incontrati di nuovo al Live Rock Festival di Acquaviva. La filosofia di fondo è rimasta: vivere senza affanni. Ciò che è cambiato è la consapevolezza di essere arrivati al un punto di maturazione.

Cos’è cambiato da quando ci siamo conosciuti?

La nostra musica è cambiata tantissimo. Adesso è tutta un’altra cosa. Nel tempo abbiamo variato gli ascolti musicali e questo ha avuto un riflesso nelle nostre produzioni. Eravamo più acerbi, ovviamente, ma anche più legati a una tradizione indie italiana. Adesso siamo influenzati da artisti come Kurt Vile, Brian Jonestown Massacre, Black Angels, War on Drugs. Che poi è rock alternativo, ma non italiano. Sicuramente ci discostiamo dall’Hip Hop che va molto in voga ora. Siamo molto felici che esistano festival come il Live Rock, che permettono a band che suonano musica simile alla nostra di potersi esprimere in una scena dominata dalla trap e dall’Hip Hop. Nonostante ciò, manteniamo una radice italiana. I Verdena e gli Afterhours ci hanno lasciato tanto, rimangono le nostre basi.

Di cosa parlano le vostre canzoni?

Devo rispondere sinceramente? Diciamo disagio esistenziale, però in realtà parlano di fica. Delle varie sfumature, che possono essere tantissime cose. È la percezione del vivere che ho a 30 anni. Sono esperienze personali.

Progetti per il futuro?

Un disco. Da autoprodurci, perché stiamo provando a mettere su uno studio di registrazione. Già l’ultimo EP l’abbiamo registrato da soli, nonostante tutte le difficoltà. Ora abbiamo diversi pezzi in cantiere. Vorremmo anche spostarci dal territorio, cercare di farci ascoltare fuori dalla Toscana. Speriamo che il Festival di Acquaviva sia un trampolino di lancio per noi. Anche perché abbiamo delle date importanti in questo periodo, siamo molto soddisfatti. Tornando al disco, ci sentiamo maturi per creare qualcosa che davvero ci rappresenti, che faccia capire a chi ci ascolta chi siamo.

Obiettivi e aspirazioni?

Nessuna avidità. Far sentire la nostra musica. Rimanere belli puri. Come ci insegna il nostro mentore – il Drugo Lebowski – prendiamo quello che viene. Le aspirazioni le abbiamo, ovviamente. Non saremmo riusciti a salire su questo palco, altrimenti. Però vogliamo sempre rimanere attaccati a ciò che ci piace: sarebbe brutto scendere a compromessi per diventare più famosi.

(foto di Irene Trancossi – Live Rock Festival Acquaviva)

 

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Drammaturgia della Canzone – Intervista a La Rappresentante di Lista

Abbiamo incontrato Dario Mangiaracina e Veronica Lucchesi de La Rappresentante di Lista dopo il loro show al Live Rock Festival di Acquaviva il 1 settembre 2019. In un dialogo costante…

Abbiamo incontrato Dario Mangiaracina e Veronica Lucchesi de La Rappresentante di Lista dopo il loro show al Live Rock Festival di Acquaviva il 1 settembre 2019. In un dialogo costante tra drammaturgia della canzone ed energia esecutiva dei brani, il loro live è annoverato tra i migliori dell’ultima stagione musicale italiana. Figlio di un lungo percorso di ricerca e di scrittura, il loro ultimo disco Go Go Diva segna un traguardo che conferma la qualità compositiva di quella che è senza dubbio una delle più importanti band della nostra scena indipendente. Tommaso Ghezzi ha parlato con loro delle tematiche principali del disco, delle legature creative che si creano tra musica e teatro, di Sicilia, di Toscana e di futuro.

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Diretta Rock 2019: sempre più “Live” Rock Festival

Arriva la nuova edizione del Live Rock Festival di Acquaviva e torna l’appuntamento con Diretta Rock, il modo migliore per vivere dall’interno il festival musicale a ingresso gratuito più importante…

Arriva la nuova edizione del Live Rock Festival di Acquaviva e torna l’appuntamento con Diretta Rock, il modo migliore per vivere dall’interno il festival musicale a ingresso gratuito più importante del nostro territorio. L’appuntamento è ai giardini ex-Fierale di Acquaviva di Montepulciano, da mercoledì 28 agosto a domenica 1 settembre, con tante occasioni per conoscere direttamente gli artisti, gli organizzatori e le associazioni che ruotano attorno al Live Rock Festival.

Dopo le edizioni del 2015, del 2016, del 2017 e del 2018, la nostra redazione tornerà a raccontarvi in maniera esclusiva e coinvolgente il festival: tutte le sere tornerà infatti Diretta Rock, a partire dalle ore 20, in streaming su Facebook Live sulla pagina de “La Valdichiana”, con possibilità di interazione in prima persona nello stand allestito nei giardini. Le puntate giornaliere saranno poi raccolte nel nostro canale YouTube e su questo speciale, in modo da avere un archivio di facile consultazione.

Quella che ci apprestiamo a vivere sarà un’edizione sempre più “Live”, con una grande attenzione alle performance degli artisti in cartellone e la possibilità di interviste approfondite, con il consueto format della diretta streaming itinerante lungo i luoghi del festival, cercando di carpire i dettagli e l’atmosfera più genuina del festival.

Ma sarà anche un’edizione di Diretta Rock incentrata sulla solidarietà: abbiamo infatti deciso di “donare” gli spazi pubblicitari che sponsorizzano il programma a un’associazione che fa del dono la sua caratteristica principale. Il nostro sostegno va quindi all’associazione AVIS di Montepulciano, in occasione del suo sessantesimo compleanno, e faremo la nostra parte per diffondere la cultura della donazione di sangue attraverso informazioni su come diventare donatori o come sostenere le attività associative. L’AVIS è infatti un’associazione no-profit apartitica, aconfessionale, che non ammette discriminazioni di genere, etnia, lingua, nazionalità, religione o ideologia politica: all’insegna del volontariato e della solidarietà, nel pieno spirito che anima il Live Rock Festival.

Puntata 5 – domenica 1 settembre

  • Intervista al Presidente Andrea Mezzanotte
  • Il live painting di Gaia
  • Intersos
  • Avis Montepulciano
  • Le cucine del Live Rock Festival

Puntata 4 – sabato 31 agosto

  • Il live painting di Gaia
  • Fridays For Future
  • Avis Montepulciano
  • Intervista a Io e la Tigre
  • Sotto e dietro il palco con i tecnici del Collettivo Piranha

Puntata 3 – venerdì 30 agosto

  • Il live painting di Gaia
  • Legambiente e i progetti Carbon Neutrality
  • Il bookshop e la birreria del Collettivo Piranha
  • Intervista a Makai
  • La ruota della birra

Puntata 2 – giovedi 29 agosto

  • Il live painting di Gaia
  • Intervista ad Antonio Dimartino e ai Telestar
  • Irene Trancossi e la fotografia del Live Rock Festival
  • 60 anni per Avis Montepulciano
  • La lotteria del Collettivo Piranha

Puntata 1 – mercoledì 28 agosto

  • Il live painting di Gaia
  • Intervista ai Dudes
  • 60 anni per Avis Montepulciano
  • L’ecobicchiere e l’impegno ecologista

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Berlino – Techno – Komfortrauschen: musica dal futuro (o da qualche Km più a Nord)

Nel mio stereotipo della città di Berlino c’è il gelo, la birra, l’acciaio e una specie di nostalgia per un posto mai vissuto, nella parte est di questa città, visto…

Nel mio stereotipo della città di Berlino c’è il gelo, la birra, l’acciaio e una specie di nostalgia per un posto mai vissuto, nella parte est di questa città, visto appena una volta in vita mia, ma sentito come mitico e familiare (e mi pare che una volta ci fosse anche un muro). Nel mio stereotipo della città di Berlino c’è la musica. Anche questa me la immagino fredda e ubriacante, con suoni metallici e una costante ricerca di nuove sonorità, che scava, annusa e fruga febbrilmente gli anni del secolo scorso e quello che verrà. La Berlino musicale me la immagino un laboratorio sperimentale di suoni, generi, voci, testi. Ci starebbe proprio un bel viaggetto all’insegna della musica underground…

La prima cosa che ho pensato quando i Komfortrauschen hanno iniziato a suonare nella serata d’apertura dell’edizione 2019 del Live Rock Festival è stata: «Nel mio stereotipo della città di Berlino c’è il gelo, la birra, l’acciaio e una specie di nostalgia per un posto mai vissuto… [leggi sopra]».

I Komfortrauschen (comfort noise) sono un trio berlinese che, unendo chitarra, basso e batteria a una quantità esagerata di pedali sintetizzatori, creano un potente DJ set techno di altissima qualità. Il live che hanno proposto è stato una maratona di sudore ed elettronica, che ha fatto ballare il pubblico di Acquaviva senza sosta. E poi l’energia del sound, i loro vestiti bianchi e i balletti convulsi. Come fai a non intervistarli?

Prima di continuare a leggere vi consiglio di guardare questo loro video: tanto per farvi un’idea.

Raccontatemi la vostra storia

Ci siamo conosciuti 5 anni fa e abbiamo deciso di formare la band, perché eravamo tutti affascinati dalla musica elettronica. Non avevamo né sintetizzatori, né computer, ma soprattutto nessuno aveva la minima idea di come si usassero. C’era l’idea prima dell’oggetto: volevamo farlo, ma non sapevamo come si facesse.

E quindi cosa è successo? Perché avete appena fatto un concerto techno pazzesco…

Fondamentalmente le basi rimangono la chitarra, il basso e la batteria. È da lì che abbiamo iniziato e da lì continuiamo a strutturare le canzoni. Abbiamo studiato molto. Lentamente abbiamo imparato a usare i sintetizzatori, i pedali e la drum machine. La cosa importante è combinare tutti gli elementi in modo divertente e stupido e vedere cosa succede.

Direi che il risultato finale non è niente male…

Grazie. Pensa che a volte in studio ci guardiamo e diciamo «ragazzi questo è veramente stupido… rendiamolo più stupido!». La semplicità e la leggerezza ci portano a risultati che funzionano: divertono il pubblico e lo fanno ballare.

Quando il vostro manager vi ha proposto di venire a suonare al Live Rock Festival di Acquaviva, cosa avete pensato?

Nel 2015 abbiamo suonato in due date italiane ed è stato bellissimo. Fondamentalmente ci piace venire in Italia. Non è per niente male. Questo festival è molto interessante e poi c’è Leeroy Thornhill, uno dei fondatori dei Prodigy, quindi ci siamo detti “cosa stiamo aspettando? Andiamo!”

È strano attribuire significato a canzoni senza testi. Le vostre ce l’hanno?

Certo, sì. A volte c’è uno sfogo di aggressività che si trasforma in potenza elettronica. A noi piace ciò che è grande e metallico. Altre volte, come ho già detto, è puro divertimento, fantasia che gioca.

Com’è la scena musicale berlinese?

È molto elettronica, profonda, intensa per certi versi. Ci sono molti club che arrivano a negare l’ingresso al pubblico, perché straripano di persone all’interno. Ad altri club piace creare un certo clima o tendenza o moda che li caratterizzi e selezionano le persone da far entrare. Non è una mentalità completamente libera, ma se si vuole vedere il lato positivo, questo contribuisce a creare correnti artistiche che si sviluppano sempre di più. Le persone sono malate di musica a Berlino. Trovi molta gente che passa dalle 5 alle 7 ore nei locali, solo per ascoltare musica. Entra di notte ed esce con la luce del sole. È raro, invece, trovare chi viene a vedere esibizioni live e dopo due ore se ne va via. Ho amici che hanno passato 12 ore in dei club ad ascoltare musica. È uno stile di vita. Rispetto all’Italia c’è molta differenza: qua è tutto molto più inclusivo e super aperto, una sorta di festa collettiva ogni volta che c’è della musica sopra un palco.

In questo video potete DIREZIONARE VOI la telecamera: buona visione e buon ascolto!

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Birranthology, il concept festival di Scrofiano all’insegna della Stravaganza

La stravaganza può essere definita come un comportamento bizzarro e fuori dal normale, che esce dai limiti e dalla consuetudine. Proprio questo è il concetto alla base del “Birranthology Festival”…

La stravaganza può essere definita come un comportamento bizzarro e fuori dal normale, che esce dai limiti e dalla consuetudine. Proprio questo è il concetto alla base del “Birranthology Festival” di Scrofiano, che proprio da qualche anno ha aggiunto “High Extravaganza” all’inizio del suo nome. Un piccolo festival musicale in una piccola frazione del Comune di Sinalunga che ha fatto della stravaganza il suo tratto distintivo: perché è evidente fin dal primo momento che questo festival è diverso dai limiti e dalla normalità tracciati dagli altri festival del nostro territorio.

A breve avrà inizio la tredicesima edizione di “High Extravaganza Birranthology Festival”, all’interno del parco comunale di Scrofiano, rigorsamente a ingresso libero.  Da venerdì 23 a domenica 25 agosto si terrà un viaggio musicale attraverso le atmosfere coinvolgenti del Rock’n’Roll, quelle travolgenti dello Psychobilly e quelle elettroniche sognanti della Synthwave. Tre serate diverse, ma collegate da un unico filo conduttore di quello che a tutti gli effetti può essere definito come un “concept festival”: le serate dai titoli Rockin’, Stompin’ e Dreamin’ sono infatti caratterizzate da band affermate a livello internazionale nelle loro nicchie musicali e da spettacoli correlati che contribuiscono a creare le rispettive atmosfere. Dall’arte delle performer burlesque alle selezioni musicali aftershow, dall’attenzione per le birre artigianali e per gli effetti luminosi, i dettagli del festival sono curati in modo da restituire il mood più adatto a serate stravaganti, in cui la performance live è parte integrante dell’esperienza.

Per comprendere meglio il concept di questo stravagante festival, abbiamo intervistato due membri del comitato organizzatore di Scrofiano, Giacomo Spinelli e Luca Farini.

Prima di addentarci alla scoperta del Birranhtology festival, comunque, abbiamo bisogno di introdurre le tre parole chiave che fanno parte della sua filosofia: oltre alla già citata “Extravaganza”, la ribellione (che è poi l’elemento fondante di tutta la tradizione musicale rock e punk) e il retrofuturismo (inteso come corrente artistica che trae ispirazione dal modo in cui il futuro è stato immaginato in passato).

“Dietro un festival come questo non c’è solo l’idea di divertirsi e di stare insieme, ma un filo logico coerente da venerdì a domenica sera. Riprendiamo l’idea dei concept album di una volta, con al loro interno una serie di canzoni che avevano coerenza interna: il Birranthology è un concept festival unico diviso in tre serate, basate su tre sottoculture, tre generi musicali differenti. Non ci interessa solo la musica, ma tutta l’ambientazione che sta dietro agli artisti che si esibiscono facendo uscir fuori la sottocultura di riferimento. Ad esempio, per la serata dreamin’, non c’è solo attenzione alla musica synthwave e darkwave, ma anche all’atmosfera cyberpunk e al retrofuturismo.”

La ricerca degli organizzatori si concentra quindi sulle band più caratteristiche delle nicchie musicali a cui vengono dedicate le rispettive serate (rock’n’roll, psychobilly, synthwave), ma che siano in grado di offrire delle performance live esaltanti e stravaganti, accompagnate anche da una parte visual, luci e costumi adatti alla sottocultura di riferimento. Una scelta dettata dalla necessità di creare un’atmosfera particolare per tutto il festival e di non limitarsi alla scelta dei gruppi da far esibire sul palco:

“Non ci limitiamo a selezionare le band più adatte alla ricerca musicale, ma anche a creare un’atmosfera adatta alle loro esibizioni. C’è quindi una grande cura dei loro costumi e del loro modo di approcciarsi al pubblico. Utilizziamo tipologie diverse di luci e di tonalità di colori per ogni serata, anche attraverso l’utilizzo di luci a neon, per arricchire l’esperienza visiva. Non si tratta quindi soltanto di creare con attenzione un cartellone di artisti, ma di diffondere la sottocultura di riferimento. A questo scopo stiamo lavorando a una fanzine del festival, che elabora durante l’anno i contributi delle culture psychobilly, synthwave e rock’n’roll presenti durante le serate del Birranthology.”

La nuova versione del Birranthology Festival prevede dunque tre serate dedicate ai rispettivi sottogeneri, di cui la serata di apertura Dreamin’ dedicata alla synthwave è forse la più caratteristica: si tratta infatti di un genere di musica elettronica influenzato dalle colonne sonore del cinema e dei videogiochi degli anni ottanta. Queste particolari serate vanno a distanziarsi dalla storia del festival, che era partito agli inizi degli anni 2000 con una scelta musicale generalista per poi prendere una svolta più incentrata sul rock’n’roll.

“Abbiamo iniziato con un cartellone generalista, poi dal 2004 ci siamo concentrati unicamente sul rock’n’roll. Ci siamo fermati per un anno, per preparare la svolta cominciata due anni fa, utilizzando l’extravaganza come faro guida per le nuove edizioni. È stata una scelta che ci permette di valorizzare questo luogo, particolarmente favorevole per l’acustica, sembra quasi un anfiteatro naturale. Il parco di Scrofiano è piccolo, non è un luogo di passaggio: è adatto a un pubblico selezionato che decide di venire appositamente e non per caso, che parcheggia in fondo al paese e segue un percorso tortuoso fino in cima. La svolta degli ultimi anni ci permette di concentrarci sulle nicchie musicali e su un pubblico selezionato, offrendo esperienze uniche per il nostro territorio.”

L’evoluzione nel corso degli anni del festival è stata quindi improntata alla ricerca della qualità musicale, a cui si accompagna la ricerca della qualità nelle birre proposte al pubblico: all’interno del festival è presente una vasta selezione di birre artigianali a prezzi popolari, più di quaranta tipologie di birre (alcune fisse, altre a rotazione in base alle caratteristiche della serata). Vengono inoltre organizzati momenti di formazione ed eventi di degustazione per imparare a conoscere la cultura della birra e approfondire le caratteristiche dei diversi prodotti.

Come risulterà evidente a tutti coloro che hanno partecipato almeno a una serata delle ultime edizioni del festival, il Birranthology ha un approccio molto diverso dagli altri festival musicali del territorio. Non utilizza il meccanismo della sagra per finanziare l’offerta musicale (che, non essendo generalista, è anche meno costosa) e non è un festival di comunità, in cui tutti i membri delle diverse generazioni della frazione sono coinvolti nell’organizzazione (tra gli stand gastronomici, i volontari e i tecnici di palco): piuttosto è portato avanti da un nucleo fondante di appassionati, che è riuscito a radunare altri appassionati dai territori circostanti.

“Il nostro rapporto con la comunità di Scrofiano è molto buono. Forse non tutti hanno ancora compreso le particolarità di questo festival rispetto agli altri, ma hanno imparato ad apprezzare il valore di questo evento che attira tanti appassionati per l’intero weekend. D’altronde il nucleo originario della nostra organizzazione risiede proprio a Scrofiano, ma nel corso degli anni siamo riusciti ad aggregare altre persone che si aggiungono allo staff, compresi alcuni appassionati che frequentavano il festival. A volte ci hanno consigliato di spostarci in luoghi più accessibili rispetto a questo, che non è nient’altro che un piccolo parco strappato al bosco, ma è proprio questa la nostra anima.”

Più volte gli organizzatori hanno ripetuto che il Birranthology non sarebbe stato possibile da nessun’altra parte se non al parco comunale di Scrofiano, e che non sarebbe trasportabile in nessun altro contesto. Tuttavia, dal momento che il concept alla base del festival è così forte e che la comunità di appassionati sta reagendo così bene, è possibile che le serate diventino dei “format” da esportare in altri contesti, soprattutto nella fase invernale.

“Abbiamo puntato tutto sulla qualità del festival e non sulla quantità di pubblico. Anche l’ingresso di giovani leve nel nostro staff va in questa direzione, ovvero ragazzi appassionati che possano portare avanti anche in futuro il Birranthology seguendo le nostre parole chiave. Ciò che vogliamo trasmettere è l’anima profonda di un festival inclusivo, che si stupisce della diversità. Non vogliamo omologarci, ma nemmeno fossilizzarci in una differenziazione estrema che ci fa odiare ciò che è diverso. La nostra è una scelta di inclusione, di uscita dalla normalità. Di stravaganza, appunto.

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Tre Gotti al Campino 2019 – XI edizione

Tutto è pronto a Trequanda per la nuova edizione di “Tre Gotti al Campino”, il festival musicale che lo scorso anno ha festeggiato la decima edizione ed è pronto ad…

Tutto è pronto a Trequanda per la nuova edizione di “Tre Gotti al Campino”, il festival musicale che lo scorso anno ha festeggiato la decima edizione ed è pronto ad affrontare il futuro con rinnovato slancio, grazie agli sforzi di tanti giovani volontari che ogni anno riescono a migliorare l’offerta musicale e gastronomica. Nata alla fine degli anni ’90, la festa è organizzata dai circoli ARCI e ACLI di Trequanda presso il Parco delle Mura “Ornella Pancirolli”, che si estende su un’area di circa 10mila metri quadrati e comprende anche un campo di calcetto e una piattaforma in cemento con tribuna ad anfiteatro.

L’edizione 2019 di “Tre Gotti al Campino” si terrà dal 15 al 18 agosto con una serie di concerti a ingresso gratuito, accompagnati da stand gastronomici pensati per valorizzare i prodotti a km zero. Nell’area ristorante e pizzeria, nell’area bar e cocktail, saranno infatti presenti le eccellenze tipiche locali, birrerie artigianali, salumi di cinta senese, olio di qualità e carne chianina; sono inoltre previsti spazi di degustazione di vini locali.

L’impegno ecologista anima ormai la festa musicale di Trequanda, in linea con quanto sta accadendo tra i principali festival del nostro territorio: sia nell’area cucina che nel mercatino di artigianato le parole d’ordine sono: riusare, riciclare, ridurre e rivalutare.

Giovedì 15 agosto

Apocalisse Ora!
Gli Apocalisse Ora sono un neonato duo dance-punk caratterizzato da riff potenti e ritmiche incalzanti. L’alternanza lento/veloce è alla base dello stile della band, la semplicità di basso/batteria il leitmotiv. Raccontano, in italiano, di scene quotidiane e introspettive, apparentemente innocue ma incredibilmente travolgenti.

Endrigo
Poco sex, abbastanza drugs, rock’n’roll a palla di cannone. Gli Endrigo nascono a Brescia nel 2012 e hanno all’attivo due album, “Ossa rotte, Occhi rossi” e “Giovani Leoni”. Questi due album portano la band ad avere svariati singoli in uscita, con migliaia di visualizzazioni su Youtube e oltre 100mila ascolti su Spotify e di conseguenza a esibirsi in tutta Italia tra festival e club.

Sick Tamburo
I Sick Tamburo, nati dall’esperienza Prozac +, sono uno dei gruppi alternative rock più interessanti del panorama italiano: testi concisi, ritmi incalzanti e un’affascinante attitudine punk. A due anni dal precedente lavoro “Un giorno nuovo”, i Sick Tamburo intessono 9 nuovi brani, racchiusi sotto il titolo emblematico di “Paura e l’Amore” che, nell’unione simbolica di due sentimenti opposti, ne sviscera l’intrinseca connessione.

Venerdì 16 agosto

Minatore Interiore
“A 15 anni mi sveglio sul mondo e mi do fuoco da solo, per ritrovarmi poi a suonare nei Minatori Dell’Interiorità, una sorta di gruppo post psichiatrico. Da questa esperienza nasce Minatore Interiore. Mi sono ritrovato punk, militante sociale, monaco Hindù. Ho fatto delle canzoni, ho scritto cose, perciò alla soglia dei 30 lascio le mie ultime volontà nel mio Testamento Sonoro 30 Anni Vergine: un libro, un cd, un atto d’amore!”

Impatto Zero
Gli Impatto Zero sono una band alternative/noise rock nata a Siena nel 2009 e caratterizzata da influenze post-hc/post-rock/grunge.
Ad ottobre 2015, presso il “Macchione Studio”, gli Impatto Zero registrano i brani che comporranno il loro primo EP d’esordio uscito il 5 marzo 2016. Sono stati selezionati e si sono esibiti anche al MEI 2016 a Faenza.

Gomma
I Gomma suonano un post-punk cupo ed emotivo, ricco di suggestioni nineties. Nascono in provincia di Caserta a inizio 2016 e in pochi mesi registrano il loro primo disco “Toska”, catturando immediatamente l’attenzione di pubblico e critica, che vuole offrire un punto di vista genuino e istintivo sul mal d’essere contemporaneo elargendo storie da periferia dell’anima. “Sacrosanto” è uscito lo scorso gennaio, definito dalla band come “una riflessione spirituale su chi siamo e cosa abbiamo fatto per noi e per gli altri.”

Sabato 17 agosto

Gianmatteo Nasca
Gianmatteo Jamie Nasca nasce nel 1993 a Poggibonsi. Inizia la sua attività musicale come chitarrista di alcune band e formazioni acustiche ma presto nasce la necessità di raccontare il mondo che lo circonda non solo attraverso le sei corde ma anche tramite la voce, portandolo quindi alla scrittura dei suoi primi testi. Provenendo dal mondo Pop-Rock, si manifesta la voglia di provare nuove possibilità sonore decidendo di intraprendere la carriera solista, proponendo quindi una nuova figura di cantatore moderno raccontando storie e avventure autobiografiche.

Odio
La band racconta storie in modo sincero e senza filtri: musica originale, rigorosamente in italiano, cantautorato indie, con qualche nota di jazz e blues. Chitarra acustica e voce si fondono per creare armonie rilassate con un tocco di malinconia, da ascoltare con le orecchie e con il cuore. Le chitarre elettriche invece suonano melodie eleganti, talvolta esasperandole fino ad arrivare a graffiare. L’Odio cerca, attraverso una musica vera, di parlare all’intimo dell’ascoltatore e di raccontare storie sincere in mezzo al chiasso scintillante del quotidiano.

Giovanni Truppi
Nato a Napoli nel 1981, ha pubblicato quattro dischi: “C’è un me dentro di me” (2009), “Il mondo è come te lo metti in testa” (2013), “GIOVANNI TRUPPI” (2015) e “Solopiano” (2017). Ha ricevuto il Premio Nuovo Imaie per la migliore interpretazione al Premio Tenco 2015. Lo scorso 11 Giugno ha vinto il Premio PIMI 2019 come miglior artista indipendente, per la sua capacità di rinnovare la canzone d’autore «grazie a un linguaggio che recupera il passato, Giovanni Truppi riesce a essere originale e unico nel panorama musicale italiano di oggi, senza scendere a compromessi di forma e contenuto, risultando profondo e pop al tempo stesso».

Domenica 18 agosto

JM 
All’anagrafe umbra Matteo Fioriti, è un giovane songwriter che ha scelto la musica come mezzo di espressione e di comprensione dei propri desideri, delle proprie paure e del proprio cammino. Nel 2015 registra il suo primo EP “Born on Five” e a Marzo 2019, è uscito “UNO”, il suo primo album. Per chi non si accontenta del monocromatico mondo trap fatto di THC, alcolici e painkiller vari, JM è una sorta di mosca bianca.

Il Gigante
Il Gigante propone un’alchimia di sonorità stoner rock, blues (con testi cantati in lingua italiana) unita ad un approccio viscerale caratteristico della classica line up composta da voci, chitarre, basso e batteria. Nel 2018 la band entra in studio e nel loro primo LP i ragazzi umbri mantengono il loro trend primordiale: Il Gigante picchia duro, ma trova comunque i suoi momenti di riflessione ed introspezione. A Gennaio 2019 esce “La Rivolta del Perdente”, primo album della band, dando il via a La Rivolta Tour.

Rollover – Aftershow
Aftershow DJ set by Rollover Staff: selezione musicale dai ritmi incessanti che spazia dal rock all’elettronica, ideale per i salti di gioia sul dancefloor a conclusione del festival.

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Ashno oltre il kebab – Dal Togo ad Arezzo fra panini e trap

Nel marzo del 2018 un kebabbaro di Arezzo si rivolge a un rapper per registrare una canzone-spot per il suo negozio. Una trovata originale che ha dato i suoi frutti:…

Nel marzo del 2018 un kebabbaro di Arezzo si rivolge a un rapper per registrare una canzone-spot per il suo negozio. Una trovata originale che ha dato i suoi frutti: la canzone è diventata subito virale, l’attività di ristorazione conosciuta ben al di fuori delle mura cittadine. C’è addirittura chi viene apposta da fuori città per mangiare quel kebab, in quel negozio, che ormai è diventato un luogo mitico (anche se solo in una nicchia – ma il mondo dello spettacolo di oggi non è fatto di tante piccole nicchie?). Ne hanno parlato su La Nazione, Sky Uno e ovunque sul web. Il negozio è il Kebab La Stazione, il rapper Ashno.

Ok il successo di Kebab La Stazione, ok il tormentone virale in rete, ma chi è davvero Ashno? Abbiamo provato a conoscere meglio il trap boy di Arezzo, sicuri che dietro alla canzone-promo ci fosse un artista più profondo e con una storia da raccontare.

Chi eri in Togo?
Mi chiamo Asrafou Sesso, sono nato nel 1993 e ho studiato filosofia all’Università. Ero un ragazzo semplice.

Come sei arrivato ad Arezzo?
Volevo migliorare la mia vita. Sono arrivato come richiedente asilo e per fortuna sono stato adottato da una famiglia italiana con cui mi trovo benissimo. La vita continua. Qui faccio musica e cerco di diventare un business man: rapper-business man.

Come nasce il tuo rapporto con la musica?
Cantavo da quando avevo 13 anni, perché adoravo i rapper francesi e americani ed è così che ho iniziato a fare freestyle di quartiere. È stata una cosa automatica: quando ascolti tanti rapper ti viene voglia di provare a esprimerti come loro.

Come hai iniziato a fare musica in Italia?
Quando ero ospite all’interno di una struttura di accoglienza ho creato un piccolo studio in cui creavo materiale e mi esercitavo con le canzoni. Poi ho pubblicato un freestyle su YouTube in quattro lingue diverse e caricato online alcuni pezzi, ma non ero ancora famoso. Ho iniziato così a farmi conoscere. Tutto è cambiato quando abbiamo bombardato la rete con Kebab La Stazione.

Cos’è cambiato?
Le views sono aumentate e ho fatto tanti concerti. Sapete già che gli artisti fanno soldi con lo stream, no? Ora faccio moltissime visualizzazioni.

Nelle tue canzoni dici “Sempre sorridente anche se la gente parla male”, “Ashno l’ottimista”, “nero italiano”. Sei diventato virale grazie a Kebab la stazione, ma di cosa parlano le altre canzoni?
Prima di fare una canzone scelgo un tema: l’amore, la mia storia, l’immigrazione. Parlo dell’invidia delle persone e dei loro discorsi quando mi vedono camminare per strada. Io rimango sulla mia strada e la percorro a testa alta. Poi parlo del problema del razzismo: lo affronto dicendo che se sei nero e straniero e ti comporti rispettando la legge allora sei anche un cittadino italiano. E lo stesso avviene con gli italiani che vengono in Africa e si comportano bene. L’ottimismo è la mia forza, perché sono convinto di raggiungere tutti i miei obiettivi e poi bisogna essere sempre ottimisti per cercare di andare avanti.

Eyo-b e Tizzy: che legame c’è con loro?
Sono togolesi come me. Ci conoscevamo già in Togo solo che loro sono arrivati qualche anno prima di me in Italia. Ci siamo incontrati di nuovo qua e abbiamo fatto una canzone insieme

Ashno vs Bello Figo. C’è uno scontro, un dissing, come mai?
Perché io sono il contrario di Bello Figo. È anche venuto qui dal kebabbaro per rispondere alla canzone in cui lo critico. Non faccio quello che fa lui: i testi delle mie canzoni sono diversi. Lui è contro i suoi fratelli di colore. Io sono con loro. Quando Bello Figo canta, invece di difendere i neri come lui, si mette contro di loro, li mette in difficoltà.

Come mai?
Lui è furbo. Fa lo scemo e fa soldi. Lo fa per avere più views. Ha capito che per diventare famoso bisogna fare le cose trash come piacciono agli italiani ed è proprio quello che sta facendo lui. Per questo la gente sta sempre attaccata al suo canale: per vedere cosa pubblica.

Ashno non fa anche musica trash?
Nelle mie canzoni non ci sono attacchi al governo o insulti. Le mie canzoni sono simpatiche. Cerco di far sorridere i miei fans. Quindi può darsi che butto delle frasi che fanno ridere e che possono essere interpretate come trash. Ognuno la pensa come vuole, ma la mia idea è di far sorridere la gente senza offendere.

Che programmi hai per il futuro?
Ci sono progetti. Kebab La Stazione ha aiutato molto sia me che il ristorante, infatti ne è stato aperto un altro a Castiglion Fiorentino. Da parte mia ho collaborazioni con altri artisti, video e soprattutto a settembre uscirà un mio remix di Bella Ciao.

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La Casa del Vento e il Mare di Mezzo

Dall’inizio di questo nuovo secolo il mar Mediterraneo si è andato delineando come “mare di mezzo”. Una distesa d’acqua che divide due continenti culturalmente, socialmente ed economicamente distantissimi. Le vicende…

Dall’inizio di questo nuovo secolo il mar Mediterraneo si è andato delineando come “mare di mezzo”. Una distesa d’acqua che divide due continenti culturalmente, socialmente ed economicamente distantissimi. Le vicende di questo mare non sono più legate, come al tempo degli antichi, al commercio e allo sviluppo di civiltà mitiche. Il suo nome, oggi, si associa a una dicotomia profondissima: la bellezza delle sue sponde, del suo ambiente naturale, dei suoi porti e delle sue città da una parte e il fenomeno migratorio, con i suoi tremendi sacrifici immani, dall’altra. Troppe volte sono state date notizie di barconi affondati in mezzo a quel mare. Troppe volte uomini, donne e bambini in cerca di un futuro migliore sono stati ripescati senza vita da quelle acque. Troppe volte se ne è sentito parlare in maniera disumana.

Tra coloro che cercano di combattere l’indifferenza generale e l’odio insensato nei confronti dei migranti c’è Giulio Carlo Vecchini, liutaio cortonese. Vecchini ha creato uno strumento con i frammenti dei barconi arrivati a Lampedusa nel corso degli anni. A questa chitarra unica ha dato il nome di Mare di Mezzo, traduzione di Bahr Alwasat, “Mediterraneo” in arabo. Adesso, la voce dei migranti può parlare attraverso le note che escono da questo strumento. Lo scopo è quello di sensibilizzare l’opinione pubblica nei confronti dei movimenti migratori del mediterraneo.

Ad Arezzo ho incontrato la Casa del Vento, band folk con alle spalle 13 album pubblicati e una fedele compagna al loro fianco: Mare di Mezzo. Luca Lanzi (voce) e Francesco Moneti (violino e chitarre) hanno scritto una canzone che porta lo stesso nome della chitarra e coinvolto nel progetto tantissimi artisti italiani e internazionali.

Con Eugenio Finardi e la chitarra Mare di Mezzo

Com’è nata l’idea di portare in tour Mare di Mezzo?

È stata data dal liutaio cortonese Giulio Carlo Vecchini a Francesco Moneti, il nostro violinista e polistrumentista, che l’ha portata sui nostri palchi e su quelli dei Modena City Ramblers. Abbiamo sentito il bisogno di scriverci una canzone, perché il momento storico lo richiedeva e così è nato il singolo che porta il nome della chitarra.

Di cosa parla?

Del cammino di un genitore insieme al proprio figlio e in questo viaggio verso il futuro e una vita migliore affrontano il Mediterraneo, che è il mare di mezzo tra due mondi lontanissimi appunto, lo stesso nome che ha la chitarra.

La chitarra è stata fatta suonare a Patti Smith, Eugenio Finardi, Santana, Jovanotti e tanti altri. Che significato ha questo gesto?

Vuol dire far passare un messaggio di solidarietà in maniera molto capillare. Come tutte le cose che passano dalle mani o dalla bocca delle persone conosciute, l’effetto si amplifica e induce a una riflessione solidale più ampia, su un tema importantissimo e su una realtà che miete vite innocenti o comunque le mette di fronte a sfide disumane.

Luca Lanzi (Casa del Vento) e Patti Smith

Diventa sia strumento musicale che sociale allora?

Sì esattamente. Direi prima di tutto sociale. Nel testo della canzone c’è un messaggio importante che il babbo lascia al figlio: se non dovessero farcela qualcuno recupererà il legno della loro imbarcazione e lo farà suonare, come per dare nuova vita alle loro anime ricolme di speranza e rendere le persone dalla parte “buona” del mare consapevoli di quanto succede. Io credo che chi impugni una chitarra del genere faccia una scelta: quella di dare voce alla vita, al dolore, alla tragedia degli anni 2000. Il nostro è un Paese che ha vissuto tanti drammi immani come l’olocausto e le stragi nazi-fasciste e adesso siamo testimoni di nuove forme di sofferenza e di morte alle quali dobbiamo renderci sensibili e consapevoli.

Nelle canzoni della Casa del Vento vengono narrate le gesta di tantissimi e tantissime giovani che hanno sacrificato la loro vita per cambiare il loro futuro. Tutti questi personaggi avevano un sogno. Oggi sembra che noi italiani abbiamo smesso di sognare o che ci siamo dimenticati di chi l’ha fatto per noi. Quelli che lottano per un futuro migliore adesso sono altri esseri umani. Lo avvertite questo cambiamento?

Noi viviamo un periodo di stasi sociale che addormenta le persone. I migranti, invece, hanno la necessità di cambiare la loro vita, di rivoluzionarla. Affrontare viaggi del genere, con tutti i pericoli, con tutte le violenze, con tutti i rischi, è molto rivoluzionario. È quello che facevamo noi quando, in un passato non troppo lontano, dovevamo conquistare la libertà dalla dittatura o i diritti sui luoghi di lavoro.

In una provincia relativamente piccola come Arezzo come viene vissuto il problema migratorio?

Secondo me male, perché c’è una percezione diffusa che non rispecchia minimamente la realtà. Alle ultime elezioni comunali ed europee la gente ha avvertito il problema in maniera pressante e il risultato è stato il successo di Salvini e dalla destra, anche in situazioni sociali assolutamente tranquille, dove se i migranti ci sono, si contano sulle dita della mano. È incredibile. Il fatto davvero preoccupante è che si tratta di un fenomeno diffuso. Trovo assurdo che in Toscana, regione storicamente di sinistra, progressista e solidale si sia arrivati a questa situazione del tutto paradossale. Posso capire chi, per esempio, vive in periferie o condizioni particolari delle grandi città. Lì si può arrivare a delle situazioni di disagio. Quello che è certo è che i mezzi di informazione hanno portato le persone ha percepire un qualcosa che esiste solo in minimi termini. C’è un’ignoranza talmente diffusa che ha fatto da terreno fertile per questi semi marci.

Benché sia casa vostra è raro vedervi suonare qua. Che rapporto ha la Casa del Vento con Arezzo?

Da parte nostra c’è sincero amore. Gli abbiamo dedicato tanto, soprattutto nei due dischi che narrano storie di Resistenza e di lotta per il lavoro. Probabilmente è una connotazione forte che abbiamo dato in quei due album e la città, che è tendenzialmente di destra, non si riconosce nelle nostre canzoni. È evidente che esiste un tipo di Arezzo, che noi evochiamo, e un altro tipo, che è quello dei bar fighetti, dei salotti buoni, degli ex massoni: un ambiente gretto e chiuso. Si scontra con il nostro tentativo di dare a questa terra una tradizione dignitosa. Siamo la provincia con il più alto numero di stragi nazi-fasciste e non abbiamo praticamente una memoria in quel senso.

Sono rari anche i punti di ritrovo…

Esatto e non ci sono locali per la musica dal vivo dove le band possono esprimersi e, comunque, se ci sono vivono di recinti: quel locale fa solo musica indie, quell’altro solo musica folk. Ti chiudi all’interno di un muro. È una mentalità di destra. Per fortuna, però, ci sono delle realtà molto interessanti: entità in movimento.

Tipo?

Il gruppo di Arezzo che spacca che dà possibilità di esprimersi alle realtà musicali aretine. Queste associazioni rendono vitale una città, ma la classe politica di Arezzo non l’ha capito. La conferma è il fatto che l’assessorato alla cultura non esiste più: questo ruolo è stato dato in mano a un privato. È una cosa assurda.

La canzone e il nuovo disco quando usciranno?

Non manca molto. Stiamo aspettando che l’etichetta discografica sia pronta e poi daremo voce a chi non ce l’ha.

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Intervista a Massimo Zamboni: «Non ho paura di sentirmi istituzionalizzato»

Massimo Zamboni ha suonato in piazza Duomo a Chiusi alle 22 del 1 giugno 2019 in occasione della Festa della Costituzione di ANPI Valdichiana. Qualche ora prima, sono riuscito a…

Massimo Zamboni ha suonato in piazza Duomo a Chiusi alle 22 del 1 giugno 2019 in occasione della Festa della Costituzione di ANPI Valdichiana. Qualche ora prima, sono riuscito a strappargli qualche minuto per un’intervista, la cui trascrizione riporto qui di seguito.

Sonata a Kreutzberg, il tuo ultimo lavoro, inquadra quella che era la Berlino e l’Europa dei primi anni ’80, lo spazio in cui si sono definiti i prodromi dei CCCP. C’è la sensazione che quel mondo fosse molto meno conformista di quello di oggi: il senso comune sembrava più elastico, più aperto ad accettare la novità…

Massimo Zamboni: Sì, quello che dici è vero. In realtà, l’avere il mondo diviso in due blocchi, creava una doppia polarità alla quale ci si poteva attenere, ma che si poteva anche respingere. Questo provocava movimento. Voglio dire: quel muro che doveva essere impenetrabile, in realtà non faceva altro che moltiplicare gli sguardi di attraversamento. Era facile, vivendo in quegli anni – al di là di tutte le barriere e tutte le guerre fredde o calde che c’erano – pensare che il mondo fosse nostro. Nel momento in cui il mondo è nostro possiamo andare dove la nostra voglia, volontà, coscienza e possibilità ci spingono. Adesso, paradossalmente, c’è una buonissima possibilità di movimento e di viaggio – non in tutto il mondo, naturalmente, ma in una buona parte di questo – ma c’è sempre meno gente che ha voglia di approfittarne perché si accontenta di guardare Google Earth, o di prendere il primo Ryan Air per andare in una località che, dopotutto, gli resta pure indifferente, perché manca il senso della conquista. Manca la voglia di condividerlo, questo mondo. Credo che ci sia un grandissimo conformismo da questo punto di vista. Mi è facile ricordare perfettamente il conformismo di allora: il conformismo della sinistra, il conformismo dei fricchettoni, il conformismo di chi si faceva le pere… il conformismo di tutti, perché ogni categoria aveva il suo conformismo: ma erano molteplici punti di vista. Non impermeabili. Erano anni molto faticosi ma anche molto appassionanti.

 

Ti è capitato di tornare a Berlino negli anni? Che sensazioni ti ha dato il cambiamento?

Massimo Zamboni: Ci torno spesso a Berlino. L’ultima volta che l’ho frequentata è stata anche ieri sera: mi sono ritrovato a visitare il sito di un besetzt in cui ho avuto modo di vedere tutta la mappatura di tutte le case occupate negli anni in cui abitavo anche io. Con anche la mia casa. Se tu li vedessi ti renderesti conto di quanta puntualità, organizzazione ci fosse, sotto questo punto di vista. Era – come dire? – tutto molto tedesco. Berlino oggi sta diventando una capitale come le altre, molto fascinosa, anche con molta voglia di mantenere la propria storia. Però… ti faccio l’esempio della pubblicità di Potsdamer Platz, che è una contraddizione del nostro tempo: quello era il luogo nel quale era costruito il bunker di Hitler, dove lui è morto. Poteva essere utilizzato come un ricordo per tutta europa, un monumento alla memoria, invece è diventato un shopping center della Sony.

 

Quel tipo di antagonismo punk che ha caratterizzato i primi vent’anni della tua carriera, arriva oggi a poter essere racchiuso in una festa dell’ANPI. Ti senti, passami il termine, “istituzionalizzato”?

Massimo Zamboni: Io ho la tessera dell’ARCI, della COOP, dell’Aci e dell’ANPI. Non ho paura delle istituzioni. Le istituzioni esistono soprattutto per proteggere e per aiutare. Capisco bene quello che vuoi dire e no, non ho paura di sentirmi istituzionalizzato. Non mi sono mai sentito antagonista, che è una parola che detesto perché mi porta ad uno scenario urbano di pretesa opposizione e che non mi riguarda assolutamente. Io sono un contadino per la maggior parte delle mie attività. Non ho paura. Con gli anni che passano consegnerò la storia dei CCCP e dei CSI ad una specie di maturità classica che non mi spaventa. Questo non scalfisce l’essere punkettone di allora perché, in realtà, quell’attitudine sta proseguendo sotto forme abbastanza inaspettate, anche per noi stessi. Io mi sento bene qua. Mi sembra di essere a casa. Mi sembra di conoscere molto bene tutte queste persone, questo luogo, riconosco questo modo di porsi. C’è un forte senso di accerchiamento intorno all’ANPI e a tutto ciò che rappresenta. È un po’ come gli orsi quando si ritirano in montagna quando sono inseguiti. Può darsi che questa sia la nostra montagna… lo scopriremo. Anche i partigiani si ritiravano in montagna, d’altra parte. Però mi rendo conto che c’è un’Italia, che non appartiene alle televisioni o ai giornali, ma un’Italia che vive e che lavora e che spesso è molto meglio di quello che pensiamo. Io sono contento di farne parte.

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Dolcezza e grinta ne ‘Il Divieto di Sbagliare’ di Eleonora Betti

Ho conosciuto Eleonora Betti in una calda giornata di fine agosto, quando ci siamo ritrovate entrambe a Firenze per la conferenza stampa di uno degli eventi musicali più importanti del…

Ho conosciuto Eleonora Betti in una calda giornata di fine agosto, quando ci siamo ritrovate entrambe a Firenze per la conferenza stampa di uno degli eventi musicali più importanti del centro Italia. Quel giorno il Collettivo Piranha presentava l’edizione 2018 del Live Rock Festival di Acquaviva; Eleonora era lì in quanto protagonista di una delle serate del festival, io per scoprire e raccontare l’evento.

Ho avuto modo di apprezzare la sua musica proprio nei giorni del Live Rock Fest e, adesso che si sta preparando all’esibizione di venerdì 15 marzo in terra chianina, finalmente sono riuscita a cogliere l’occasione per intervistarla.

Fin dalle prime battute scambiate con Eleonora, quello che mi colpisce è la sua dolcezza, il suo sguardo innamorato della musica e il suo modo di raccontarsi che sembra già essere il testo di una canzone. Oltre alla dolcezza che incanta, quello che sorprende di Eleonora è il modo in cui si fondono in lei, in maniera perfetta, vari generi musicali, che la rendono unica e libera da obblighi di appartenenza.

Eleonora Betti è una cantautrice che si divide tra la Valdichiana e Roma, dove attualmente vive; laureata in musicologia, Eleonora è cresciuta tra le note della musica classica, l’amore per le grandi voci del jazz, del musical e il fado portoghese.

“La musica classica è parte di tanti ricordi della mia infanzia e adolescenza, mi piace scoprirne la freschezza, le forme. Del jazz direi che mi affascina più di tutto il senso di libertà espressiva, l’idea che la musica sia qualcosa sempre di personale e non possa essere mai uguale a sé stessa. Del musical amo l’unione tra le varie arti, la dimensione del teatro, la narrazione; del fado la sua forza, spesso drammatica, la capacità di raccontare un luogo e le sue storie. In ognuno di questi generi trovo un’intensità sconvolgente”

Tutti questi generi trovano una sintesi perfetta nel suo disco d’esordio, ‘Il Divieto di Sbagliare’ che, oltre a presentare Eleonora al grande pubblico, è un invito a riflettere sull’impossibilità di camminare sul sentiero della vita senza inciampare ogni tanto. L’errore fa parte di un percorso di conoscenza ed evoluzione. Comprendere il proprio stato di imperfezione consente di elaborare le cadute, di curare le ferite, di guardare avanti con consapevolezza, di trovare nuova forza.

“Grazie a ‘Il Divieto di Sbagliare’ ho potuto far conoscere la mia musica a molte persone, ha aperto la strada a collaborazioni importanti, come quella con Ferruccio Spinetti che ha suonato il basso nel nuovo singolo ‘Libera’. Inoltre, dopo la pubblicazione del mio lavoro, ho potuto osservare come possa esserci interesse anche per un prodotto fuori dagli schemi attuali come il mio, interesse che ho riscontrato sia tra il pubblico ai concerti, che tra la critica. Di recente, è stata una felicissima sorpresa che una webzine musicale come MusicMap abbia scelto “Quaranta Volte” come canzone più bella del 2018” – mi spiega Eleonora.

I brani di Eleonora nascono dall’urgenza di trasformare in canzone un pensiero, un’emozione o una riflessione. E alla domanda se all’interno del disco ci sia un brano a cui è più legata, Eleonora mi risponde così:

“I legami sono diversi con ogni brano, e ugualmente intensi. Però, a distanza di un anno, sento di dire che per ‘Quaranta Volte’ ho un ulteriore affetto, perché è stata la canzone di lancio dell’album ed è diventata la colonna sonora di questi dodici mesi, tra promozione e concerti. Per comporre i miei brani spesso parto da un piccolo nucleo di testo e melodia che poi sviluppo, a volte rapidamente se il momento creativo è molto intenso”.

La Repubblica ha definito il pop di Eleonora un pop d’autore e da camera, un soffuso d’archi e di fiati; non un ninnolo luccicante da mettere in mostra nella vetrina del salotto buono, ma una via d’uscita da prigioni sonore, da etichette precostituite e appiccicate da chi è sempre in cerca di definizioni. Definizioni di cui Eleonora, appunto, non ha bisogno; con la sua musica cerca di far capire che prima di tutto bisogna ascoltare noi stessi in modo da trovare la giusta strada, e, in secondo luogo, gli altri, con apertura e attenzione, per poter costruire qualcosa insieme.

“Fare musica vuol dire impegnarsi per ottenere un risultato; vuol dire giocare, divertirsi, avere passione, essere aperti, incontrare, conoscere, concentrarsi, restare umili. La musica è l’umanità espressa in un suono” – insegnamento, questo, che Eleonora porta sempre con sé e che cerca di trasmettere ai suoi studenti del Liceo e ai bambini a cui impartisce lezioni di pianoforte, canto corale e laboratori di propedeutica.

Durante l’intervista, ho avuto modo di comprendere il punto di vista di Eleonora sullo stato attuale della musica e sulle varie polemiche nate dalla vittoria di Mahmood a Sanremo:

“Sebbene ogni anno ci siano polemiche attorno al vincitore, quella che si è aperta in questo caso mi è parsa assurda: fuori luogo per la parte tecnica, offensiva e preoccupante per i tratti razzisti che ha assunto da parte di alcune persone. Non credo che i pregiudizi siano nel mondo della musica, o perlomeno spero che non sia così; vedo più una strumentalizzazione politica che ha aperto la strada a commenti di ogni genere anche a livello popolare. Comunque tante persone hanno da subito preso posizione in modo opposto, e questo mi conforta”.

Alla vigilia della sua esibizione al Teatro Verdi di Monte San Savino del prossimo 15 marzo, Eleonora mi dice:

È un bellissimo momento, che mi consente, tra l’altro, di chiudere nel migliore dei modi questo primo anno trascorso dall’uscita del disco. Ho un legame molto forte sia con il Teatro Verdi che con il paese di Monte San Savino: lì ho iniziato a suonare il pianoforte e ricevuto la prima formazione artistica. Certamente sarà una bella emozione, una festa, il mio modo per dire grazie a un luogo in cui sono cresciuta e per abbracciarlo con la musica; un abbraccio che spero potrà arrivare forte anche alle persone presenti”.

E riguardo ai progetti futuri, invece, mi svela che questo momento si sta rivelando molto creativo.

“Mi sto dedicando alla scrittura di nuove canzoni, pensando già con entusiasmo a nuovi progetti da realizzare, ma il desiderio è anche quello di continuare con i concerti. La musica come momento di condivisione regala incontri ed emozioni che amo infinitamente vivere”.

Eleonora conclude con un augurio personale, ma allo stesso tempo un auspicio per l’intero panorama musicale italiano e internazionale:

Quando accendo la radio spero di poter sentire musica bella, italiana o internazionale che sia, e magari anche musica emergente, indipendente, da scoprire”.

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L’elettronica dei Platonick Dive al GB20 di Montepulciano

Questo sabato 23 Febbraio, ultima delle tre serate di musica live proposte dal GB20 di Montepulciano, sarà protagonista la musica dei livornesi Platonick Dive: la loro proposta è un viaggio…

Questo sabato 23 Febbraio, ultima delle tre serate di musica live proposte dal GB20 di Montepulciano, sarà protagonista la musica dei livornesi Platonick Dive: la loro proposta è un viaggio emozionale ed emozionante nell’elettronica dagli influssi post-rock e venature di pop, quasi a evocare la forza purificatrice e guaritrice dell’acqua e del fluire di melodie eteree; i loro concerti live sono un lungo percorso interiore, dove ci si lascia andare alla corrente di suoni e sensazioni.

Formatisi nel 2013, la formazione livornese è composta da Gabriele Centelli, Marco Figliè e Jonathan Nelli. I Platonick Dive sono partiti con lo scopo di fare musica per loro stessi, a scopo terapeutico – con il debut album a chiarire questo intento, essendo intitolato “Therapeutic Portrait” – e man mano, la qualità della loro proposta li ha portati a essere apprezzati sia in Italia, che soprattutto all’estero, con un nutrito zoccolo di fan storici persino in Russia. Votati inizialmente a un mix di elettronica e post-rock, con il terzo album “Social Habits“, pubblicato nel 2018, il trio di musicisti ha deciso di puntare molto di più sulla “forma canzone”, su brani più definiti, dando un ruolo più centrale e preponderante alla voce, e forse anche limando ed eliminando qualche sovrastruttura, rendendo così più snelli e un po’ più minimali gli arrangiamenti che compongono i brani del disco.

Tuttavia, questo percorso e questa scelta di raffinarsi e “semplificarsi” non è una cattiva idea, anzi, molto spesso indica un’attenta riflessione sul proprio materiale e la relativa direzione da dargli, per evitare di ripetersi; perché nel percorso di un musicista, il terzo album è sempre quello che tiene ciò che è stato fatto di buono nel passato, per aprirsi a nuove strade possibili per la continuazione del proprio cammino. E “Social Habits” è sicuramente un punto di svolta verso nuove possibili sperimentazioni sonore per la formazione toscana.

Non resta quindi che darvi appuntamento al GB20 di Montepulciano questo sabato, per una serata veramente eterea e catartica, dove la musica dei Platonick Dive vi abbraccerà, vi avvolgerà e vi emozionerà. Qui l’evento su Facebook.

Discografia:

“Therapeutic Portrait” (2013)

“Overflow” (2015)

“Social Habits” (2018)

Riferimenti:

Pagina Facebook

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