La Valdichiana

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Storie dal Territorio della Valdichiana

Categoria: Rubriche

Edicola Mario – Le promesse dei politici

Mario è un edicolante dalla natura particolare: sempre scontroso e scostante, ma con un grande amore per la propria terra. Grazie alla sua attività riesce sempre ad essere un punto…

Mario è un edicolante dalla natura particolare: sempre scontroso e scostante, ma con un grande amore per la propria terra. Grazie alla sua attività riesce sempre ad essere un punto di riferimento per la comunità, mantenendo aggiornati i propri compaesani sulle vicende della zona. L’edicola di Mario è il modo più divertente per capire la realtà che ci circonda!

“L’edicola di Mario” di Michele Bettollini: le promesse dei politici!

Tutte le strip di Michele Bettollini nella speciale galleria: L’edicola di Mario

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Un Omaggio ad Anna Marchesini al Teatro Mascagni – Intervista a Ingrid Monacelli

Quando Roberto Carloncelli ha preso in mano la direzione artistica del Festival Orizzonti, nel caos gestionale che lo circondava, si è ritrovato a comporre un florilegio di spettacoli legati a…

Quando Roberto Carloncelli ha preso in mano la direzione artistica del Festival Orizzonti, nel caos gestionale che lo circondava, si è ritrovato a comporre un florilegio di spettacoli legati a sue conoscenze dirette. Tra queste, c’era Ingrid Monacelli, la quale si è resa protagonista, durante lo scorso festival, nell’agosto del 2017, del fortunato ciclo di letture Donna: Femminile Singolare. Le performance, distribuite in tre giorni, inglobavano, tra gli altri, testi di Franca Rame, Stefano Benni e  Aldo Nicolaj; sopratutto però, la Monacelli interpretò in maniera magistrale Anna Cappelli di Annibale Ruccello.

È impossibile, nell’economia del teatro contemporaneo, non associare il testo di Ruccello ad Anna Marchesini che a più riprese lo interpretò lungo gli anni Novanta. Da questo spunto, Roberto Carloncelli e Ingrid Monacelli hanno lavorato, negli ultimi mesi, ad uno spettacolo che si configurasse come un vero e proprio tributo alla grande attrice orvietana. Oggi si intitola Anna: omaggio ad Anna Marchesini e va in scena al Teatro Pietro Mascagni venerdì 26 gennaio 2018. 

Abbiamo incontrato Roberto Carloncelli e Ingrid Monacelli prima del debutto e abbiamo posto loro alcune domande.

 

LaV: Secondo voi qual è il segno che Anna Marchesini ha inciso nella storia del teatro? Cosa avete imparato voi da lei?

Ingrid Monacelli:  Riusciva a rendere naturale ciò che è estremamente artificioso. Ogni suo personaggio era frutto di un lavoro sul corpo molto faticoso che poteva durare anche dei mesi, ma lei era capace di essere fluida e naturale nelle interpretazioni. Certo, era molto caricaturale, spesso molto grottesca, ma sempre con naturalezza. I suoi tempi comici erano immanenti; aveva capacità di improvvisare sul palco, a seconda del pubblico che aveva davanti. Riusciva a portare il pubblico dove voleva lei; era eccezionale in questo. Ogni volta che si trovava sul palco dava l’impressione di essere a casa sua. Il pubblico era l’ospite. Per chi fa questo lavoro quello che dovrebbe essere sempre presente è l’amore di stare sul palco, sentirsi a casa. Vedere l’amore e la passione che lei metteva nel suo lavoro è stato l’insegnamento più grande.

Roberto Carloncelli: Anna Marchesini è stata una delle pochissime attrici italiane che riuscivano a passare dalla lettura delle pagine gialle a Shakespeare. Deteneva una preparazione, a livello culturale, enorme, anche se noi l’abbiamo conosciuta nel suo aspetto prevalentemente comico. Era una persona rara. Ha lasciato secondo me questa sua particolare visione della comicità: l’umorismo velato di tristezza. Che poi è una cosa tipica di chi fa teatro comico, ma lei aveva una marcia in più. Per chi ha avuto la fortuna di vederla nell’ultima parte della sua carriera, da sola, ha fatto spettacoli incredibili.

LaV: In che misura il fatto che Anna Marchesini fosse una donna ha codificato il suo essere teatrale?

IM: Anna Marchesini è riuscita a sdoganare quella che era una brutta tradizione nell’ambito dello spettacolo: che la donna non fosse propriamente una figura comica. I comici sono uomini. Nel mondo dello spettacolo comico le figure forti sono sempre maschili. Lei è stata bravissima perché ha saputo cogliere tutti i pregiudizi sociali, rivolti al femminile, tutti i difetti delle donne – dalla nevrosi all’estrema vanità, fino alla strumentalizzazione della sessualità – ed è riuscita a costruire dei personaggi che in maniera caricaturale ridevano di loro stessi. Il valore più importante è stata la sua grande intelligenza nel sapersi prendere in giro confrontarsi con il suo essere femminile fino in fondo, a trecentosessanta gradi. Far emergere tutti i lati della femminilità ed esprimerli con la risata.

RC: Ha una rilevanza, certo. Il teatro, purtroppo, è maschile. Dalle radici della sua origine. Pensiamo che in passato le donne non potevano nemmeno entrare a teatro. Ecco, Anna Marchesini è stata una di quelle attrici che hanno fatto capire quanto la figura femminile fosse la forza motrice non solo del teatro, ma in generale della vita del mondo. Potremmo estendere questo discorso a tutti gli aspetti della società, le recenti cronache ci forniscono un quadro abbastanza preoccupante. Anna Marchesini può anche ribadire quanto le donne possano essere protagoniste, dentro e fuori dai teatri.

LaV: È stato difficile confrontarsi con una gigante del teatro come Anna Marchesini?

IM: Sicuramente confrontarsi con Anna Marchesini è impossibile. Un mostro sacro del teatro contemporaneo. Cerchiamo di fare un omaggio, un tributo, alla sua figura. Per me è sempre stata un riferimento. Lei era eccezionale per quanto riguarda il trasformismo. Riusciva a cambiare completamente connotati visivi, la voce, il corpo, i movimenti, i tic a seconda dei personaggi. Osservarla è stata una delle fonti più grandi di ispirazione per il lavoro. Ho cercato di trarre da lei soprattutto la capacità di trasformarmi, e di imparare ad avere quella stessa luce negli occhi che aveva lei quando saliva sul palco e che dimostrava il suo immenso amore per questo lavoro.

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Nessuno, atto 3: arredamento e scenografia

Continua la preparazione di “Nessuno”, questa volta lavorando non in maniera immanente, ma trascendente. Non parlerò di come cresce il mio bambino, o se ho la pancia a punta o…

Continua la preparazione di “Nessuno”, questa volta lavorando non in maniera immanente, ma trascendente. Non parlerò di come cresce il mio bambino, o se ho la pancia a punta o i fianchi larghi, ma di come mi sto preparando per accoglierlo, per farlo sentire mio e per caratterizzarlo. In questo periodo i lavori stanno procedendo sull’arredamento della cameretta: non sarà rosa o blu, perché non voglio sapere il sesso, mi preoccupo solo che ci sia un letto e tutto ciò che possa rendere l’ambiente un posto sicuro.

In termini di spettacolo, l’arredamento è composto da tanti fattori, infatti in questo mese ho comprato e montato la “culla”, ovvero, per intenderci, sono iniziate le prove con gli attori, concentrandosi sui lavori di biomeccanica, training autogeno e linguaggio del corpo. In più, come ogni camera che si rispetti, ho comprato tutte quelle cose che apparentemente sembrano inutili, ma che poi trovano la loro funzionalità nell’essere ciò che sono. La ditta di arredamento (coloro che mi aiutano a montare le mensole e l’armadio) è composta dagli scenografi Federica, Nico, Daniele, Selene e Gaia (due dei quali conosciuti alla Casa della Cultura di Torrita di Siena): personaggi fuori dalle righe, da ogni schema, che non possono essere guidati o diretti, che sono indefiniti e indefinibili.

Gli scenografi daranno un’ambientazione al bambino che sta per nascere, un posto nel quale avrà il diritto di essere se stesso, o di sentirsi ciò che vuole. La cameretta sarà la stessa, ma le case saranno due: i palchi in cui verrà messo in scena lo spettacolo saranno quelli del Teatro dei Concordi e del Teatro Poliziano.

Quando il bambino nascerà, dovrà pure indossare qualcosa: per poter far questo, insieme a Pauline (che definirei la zia di questo bambino) siamo andate alla sartoria del Teatro Poliziano. Tra vestiti troppo stravaganti, tulle, corpetti e cappotti anni ’20, abbiamo messo da parte ciò che ci interessava di più, per vestire gli attori dello spettacolo.

Adesso vi saluto che devo ancora capire come funziona lo scaldalatte. Del resto, per ora, gioco solo a travestirmi da “mamma regista”, non lo sono realmente.

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Compagnia Teatro Giovani Torrita, una storia da celebrare

La Compagnia Teatro Giovani di Torrita di Siena compie vent’anni. Dal dicembre 1997 produce spettacoli, intavola confronti di formazione con grandi personalità dell’arte scenica italiana. Si è specializzata nella nobile…

La Compagnia Teatro Giovani di Torrita di Siena compie vent’anni. Dal dicembre 1997 produce spettacoli, intavola confronti di formazione con grandi personalità dell’arte scenica italiana. Si è specializzata nella nobile arte del musical, probabilmente il genere teatrale che riscuote il maggior successo di pubblico. I ragazzi che oggi compongono la Compagnia, hanno voluto omaggiarla, con uno spettacolo tutto dedicato a lei, alla sua storia e ai suoi tanti successi. Auguri: sono 20! Un sogno divenuto realtà è il titolo dello spettacolo che va in scena al Teatro degli Oscuri di Torrita il 20 Gennaio 2018, con una selezione – un The Best Of – delle migliori performance, collezionate lungo tutti i vent’anni dalla pletora di spettacoli portati in scena in tutta Italia dai ragazzi torritesi.

I performers, che sono poi coloro che hanno partecipato negli anni ai vari allestimenti e produzioni, ieri bambini e oggi adulti, ripercorreranno la storia di questi vent’anni attraverso canzoni, aneddoti e ricordi. Uno spettacolo allegro e divertente con i pezzi più famosi dei musical più celebri.

L’associazione Giovani Torrita è nata nel 1997 con l’intento i stimolare e sostenere la crescita morale e sociale, promuovendo la diffusione dell’arte della cultura teatrale, con particolare riferimento al teatro musicale, del quale è divenuta punto di riferimento territoriale e nazionale. Il primo spettacolo è tratto da I racconti di natale di Charles Dickens seguito l’anno successivo con Forza Venite Gente, musical sulla vita di Francesco d’Assisi. Sin dai primi anni si avverte l’intento di alzare l’asticella ogni allestimento e affinare la qualità delle produzioni: Joseph, il Re dei Sogni, viene infatti portato in scena per la prima volta in versione italiana, tradotto appositamente per la Compagnia da Franco Travaglio, oggi celebre traduttore delle liriche dei più grandi musical del mondo che arrivano in Italia. Nel 2000 poi va in scena Il Fantasma di Canterville, tratto dall’omonimo romanzo di Oscar Wilde. È in questo periodo che iniziano a nascere i corsi di avviamento al musical per i giovani e i giovanissimi, oggi ormai un’autorità grazie alla scuola di avviamento all’arte del musical, messa in piedi dalla Compagnia, SpazioMusical. La formazione imbastita dalla scuola è costellata da appuntamenti fissi durante l’anno: il più importante è sicuramente la serie di workshop di fine estate, da dieci anni sotto la direzione artistica di Marco Columbro e con insegnanti Laura Ruocco, Antonello Angiolillo e Barbara Pleruccetti, che richiama ragazzi da tutta Italia.

 

È del 2005 la fortunatissima tournée con la versione italiana di Jesus Christ Superstar. In accordo con la compagnia internazionale inglese, diretta da Andrew Lloyd Webber, The Really Useful Group – London, viene curato l’allestimento nella versione italiana di Joseph e la strabiliante tunica dei sogni in Technicolor.  Il 2008 e 2009 sono dedicati alla messa in scena di una serie di concerti-spettacolo: Musical Greatest Hits Celebration e Make Musical Noto Wall, quest’ultimo realizzato nell’ambito del progetto di cooperazione internazionale con il popolo palestinese Terre di Toscana – Strumenti per la Pace. Nel 2009 inizia la salda collaborazione con Fabiola Ricci, alla quale vengono affidati la regia degli spettacoli e la formazione.

Nell’anno 2010, viene messo in scena The Rocky Horror Experience che debutta il 22 maggio 2010 presso la sala degli ex-macelli di Montepulciano in collaborazione con l’associazione Mattatoio n.5. Nello stesso anno si avverte una cesura forte nella Compagnia, un giro di boa di qualità semi-professionale nelle produzioni: il cast diventa più nutrito, il livello qualitativo delle rappresentazioni aumenta e soprattutto gli investimenti nella formazione dei performer aumentano notevolmente.

L’anno 2011 è segnato dalla partecipazione al progetto You Media – la comunicazione fra e per i giovani: nuovi linguaggi per fare e ricevere cultura, con il co-finanziamento del Comune di Torrita di Siena, al quale la compagnia partecipa attraverso il linguaggio del Musical Theatre proponendo la realizzazione della prima versione italiana di un musical arrivato direttamente da Broadway: The Wedding Singer, con musica dal vivo, su licenza della Music Theatre International – M.T.I., registrando il tutto esaurito nella conseguente tournèe. Con The Wedding Singer nel 2012 la Compagnia viene selezionata per la partecipazione al Festival Nazionale del Teatro Nuovo di Milano, uno dei più prestigiosi teatri milanesi. Il folto pubblico presente in sala e la giuria decretano The Wedding Singer vincitore del primo premio come miglior spettacolo musicale, del terzo premio come miglior spettacolo in assoluto. Il giovane Giulio Benvenuti, prossimo alla carriera professionale, vince il primo premio come miglior performer in assoluto. La Compagnia Teatro Giovani è divenuta, nel territorio torritese, una fucina di performers professionisti, che proprio sulle tavole del teatro degli Oscuri muovono i loro primi passi scenici. Dal 2015 l’Amministrazione Comunale di Torrita affida la stagione teatrale del Teatro deli Oscuri alla Compagnia, con la direzione artistica di Laura Ruocco.

Lo spettacolo di sabato 20 gennaio sarà l’occasione per rivivere ogni tappa dell’evoluzione artistica della Compagnia Teatro Giovani, che all’altezza di vent’anni ha registrato un trend di crescita esponenziale. Lunga vita, quindi, alla passione per i palchi, alla coralità della CTG e alla forza collettiva che porta un gruppo di ragazzi ogni anno ad allestire delle vere e proprie perle. Auguri!

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“Il Bacio” di Ger Thijs: intervista a Francesco Branchetti

Dopo l’esperienza di Medea di Jean Anouilh, che li ha impegnati lungo le ultime due stagioni teatrali, Barbara de Rossi torna a lavorare con Francesco Branchetti con Il Bacio, un testo…

Dopo l’esperienza di Medea di Jean Anouilh, che li ha impegnati lungo le ultime due stagioni teatrali, Barbara de Rossi torna a lavorare con Francesco Branchetti con Il Bacio, un testo di Ger Thijs proposto al pubblico del Teatro Mascagni di Chiusi sabato 13 Gennaio 2017. La regia e l’adattamento è dello stesso Branchetti, il quale ha lavorato sulla traduzione dall’olandese di Enrico Luttmann.

Ger Thijs, autore de Il Bacio, è uno dei più importanti drammaturghi olandesi. È nato a Waubach, nel Limburgo, nel 1948.  Abbandonati gli studi di psicologia ad Amsterdam, segue i corsi dell’Accademia Teatrale di Maastricht. Non conclude il percorso accademico poiché all’inizio del secondo anno viene ingaggiato dalla compagnia di Elise Hoomans, debuttando nel 1970 come attore con un testo di Raymond Quéneau. Da allora ha lavorato in tutti i campi dell’attività teatrale, dirigendo anche alcune delle sue stesse opere. E’ stato anche Direttore Artistico del Teatro Nazionale Olandese. Molte delle sue rappresentazioni sono state nominate per il prestigioso Theatre Audience Award.  Scrive, inoltre, romanzi ed è editorialista per il quotidiano Volkskrant.

Il Bacio si svolge in un bosco. Un luogo quasi etereo, al di fuori della quotidianità. Lui è un comico fallito in procinto di prendere una decisione importante sulla sua carriera, lei si trova di fronte ad un bivio fisico, un movente di preoccupazione. I due personaggi, di cui mai vengono esplicitati i nomi, si incrociano durante una passeggiata nel verde. Si siedono su una panchina e iniziano a parlare. Il dialogo diventa un’esplorazione sineddotica dell’anima umana, quando è chiamata a scontrarsi con la brutalità dell’esistenza. L’andamento dell’approccio tra i due è intralciato dagli imbarazzi e dai limiti verbali dell’alterità, ma sostenuto dalla profonda comprensione sentimentale di due vite che si intrecciano, lungo l’unità temporale dello spettacolo.

Abbiamo incontrato Francesco Branchetti, prima dello spettacolo, che ha risposto alle nostre domande:

V: Come è stato dirigere Barbara de Rossi che è tornata a lavorare in teatro dopo tanti anni?

Francesco Branchetti: È stato molto bello e molto semplice. Ci siamo incontrati molto tempo prima delle prove di Medea ed abbiamo iniziato un lavoro molto certosino sul personaggio che poi ha interpretato benissimo. Abbiamo fatto un lavoro di preparazione molto lungo prima delle prove. Medea di Jean Anouilh  è stato uno spettacolo che Barbara ha fortissimamente voluto fare, e io anche. È stato un lavoro entusiasmante. Barbara, poi, è una persona dal carattere gentile e dalla professionalità straordinaria. Non ci sono state difficoltà perché si è messa completamente nelle mie mani di regista e questa sua lontananza dal palco scenico, lungo tutti questi anni, non ha pesato. Sono state prove molto lunghe, ma è stato un lavoro molto accurato.

V: Ger Thijs, autore de Il Bacio, È il massimo autore olandese uno dei più importanti viventi. Molto del pubblico forse non lo ha mai sentito nominare. Oltre a divulgare il teatro nelle sue pratiche, cosa potreste fare voi professionisti della drammaturgia, per divulgare anche la letteratura teatrale?

FB: Personalmente, da tantissimi anni mi prefiggo di presentare testi stranieri in Italia. L’ho fatto con testi olandesi, spagnoli… l’ho fatto con le opere dei maggiori autori delle drammaturgie estere. Thijs è il maggiore autore del teatro olandese contemporaneo. Noi teatranti dovremmo tentare, prima di tutto, di portarli in scena. Dovremmo farli vivere attraverso gli allestimenti. Io ho portato in scena Manfredi, Angelo Longoni, Alberto Bassetti e moltissimi altri. La drammaturgia contemporanea mi è sempre stata molto a cuore: sia quella italiana che estera. Più il teatro contemporaneo ha modo di vivere sulla scena e più il pubblico si abitua agli autori contemporanei. È ovvio che in un momento di crisi, mancano basi culturali solide su cui appoggiarsi e spesso molte produzioni puntano sui classici, i grandi titoli del repertorio. Però non è necessariamente una scommessa vincente. La scommessa su questo testo di Thijs si è rivelata felice. Il Bacio non era mai andato in scena in Italia, mentre in tutti gli altri paesi europei sì . Quindi è stato il primo allestimento italiano. Anche questa stagione saremo per quattro mesi in tournée. Quindi non necessariamente rivolgersi ai grandi classici è l’unica strada per avere successo. Si può fare molto bene anche con un testo contemporaneo.

V: Secondo te ha qualcosa da dire sui recenti dibattiti sulla sessualità, i rapporti tra uomo e donna tirati in ballo nei recenti fatti di cronaca?

FB: No, direi di no. Il nostro spettacolo vive del rapporto anche tra uomo e donna soprattutto per quanto riguarda le sfere della tenerezza, dell’affetto arriva anche alla sensualità ma in una chiave totalmente rivolta al sentimento. Affronta l’innamoramento, non tanto la fisicità. È attuale nella misura in cui in un epoca in cui è diventato difficilissimo, fidarsi e affidarsi all’altro, anche nella figura di un altro sesso, è difficile conquistarne la fiducia. Sono solito dire che oggi l’unico atto di coraggio è fidarsi dell’altro. Questo è uno spettacolo che mostra come due personggi, affidandosi nelle vicendevoli mani, trovano in un sentimento condiviso, una via di salvezza. Mostra come un atto di fiducia e di coraggio possa cambiare le cose nelle nostre vite.

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Gli abusi sono soprattutto in famiglia: i dati della violenza di genere

“Da grande voglio un paio di scarpe così, ma rosse, perché il rosso è il colore della bellezza e della libertà” pensavo, guardando i miei piccoli piedini dentro quelle scarpe enormi….

“Da grande voglio un paio di scarpe così, ma rosse, perché il rosso è il colore della bellezza e della libertà” pensavo, guardando i miei piccoli piedini dentro quelle scarpe enormi. Adesso quelle scarpe rosse le ho, ma quando le indosso non penso né alla bellezza, né al fascino o all’eleganza bensì a una libertà violata e sempre più spesso negata.

È proprio partendo da questa concezione delle scarpe rosse e dal fatto che anche in un territorio come la Valdichiana, negli ultimi anni si siano verificati molti casi di violenza sulle donne, che nasce la nuova rubrica: ‘Scarpette rosse’. Attraverso questo spazio cercherò di affrontare il tema della violenza di genere, una problematica sociale e trasversale, da sempre considerata un argomento tabù e qualcosa di cui doversi vergognare quando subìta.

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Purtroppo, a pochi giorni dall’inizio del 2018, dobbiamo già registrare il primo episodio femminicidio dell’anno avvenuto a Catania dove a perdere la vita è stata una donna accoltellata dal marito davanti ai loro due figli.

Secondo la ricostruzione fatta dalla forze dell’ordine a dare l’allarme sarebbe stati proprio i figli della coppia che hanno avvisato le assistenti del Cara di Mineo, luogo dove risiedeva la donna assieme ai figli, ma appena arrivati i medici non hanno fatto altro che accertare il decesso della madre. La donna era arrivata nella struttura nel dicembre del 2016 ed era in attesa del riconoscimento di rifugiato politico e, sembra, che per questo fosse contraria a seguire il marito nel Nord che nei giorni precedenti era arrivato a Mineo per convincerla. Il marito è stato fermato con l’accusa di omicidio volontario con le aggravanti di avere agito per futili motivi e con crudeltà. Le indagini hanno permesso di appurare che il marito si sarebbe recato a trovare la moglie ed i figli e al culmine di una lite ha colpito la donna con un coltello da cucina lungo 13 centimetri trovato accanto al corpo della donna sporco di sangue, e poi dandosi alla fuga.

Partendo dal primo episodio di femminicidio del 2018 andiamo a vedere quanti sono stati i casi di violenza e/o di femminicidio ci sono verificati nel 2017 e quante donne hanno avuto il coraggio di denunciare e si sono rivolte ai centri di competenza.

Secondo il rapporto Eures sul femminicidio sono 114 le donne vittime di violenza nei primi 10 mesi del 2017. Tra il 2015 e il 2016 il numero di femminicidi in Italia è tornato ad aumentare, passando da 142 a 150 (+5,6%), soprattutto a causa di una forte crescita del fenomeno nelle regioni del Nord e del Centro. Sempre nel 2016 a livello regionale il numero più alto di femminicidi lo si è registrato in Lombardia (25 vittime), seguita da Veneto (17), Campania (nonostante un calo dei casi, passati 31 a 16), Emilia Romagna (13). Nello scorso anno il 76,7% dei femminicidi è maturato in un contesto familiare e affettivo, con una forte connotazione negativa data da possesso e gelosia, ma anche dall’isolamento e dal disagio. Dal 2000 a oggi le donne vittime di omicidio volontario nel nostro Paese sono state 3mila: nel 2016 i femminicidi sono tornati a crescere rispetto all’anno precedente (+5,6%, da 142 a 150), trend sostanzialmente confermato dai 114 casi – più di uno ogni 3 giorni – dei primi dieci mesi di quest’anno.

Inoltre, dai dati SINIACA-IDB del 2015-2016 emerge che per le donne vittime di violenza in età fertile (15-49 anni), oltre il 35% dei casi è dovuto ad aggressione da parte del coniuge o partner sentimentale (nei maschi è meno del 10%). Quasi l’85% dei casi di violenze su donne è compiuta da conoscenti (nei maschi tale percentuale è inferiore al 40%).

In Toscana, secondo i dati REVAMP coordinati dalla sorveglianza dell’Istituto Superiore di Sanità e dall’Ospedale Galliera di Genova presentati al Ministero della Salute, tra il 2006 e il 2016, sono stati registrati 101 femminicidi di queste 75 sono italiane e 26 straniere, nel 76,2% dei casi l’assassino è di nazionalità italiana.

Ovviamente la cosa da fare in questi casi, come ho sempre scritto in questa rubrica, è denunciare e non avere paura. Dal 1° luglio 2009 al 30 giugno 2017 circa 18.939 donne si sono rivolte ad un centro antiviolenza in Toscana, soprattutto per violenze reiterate nel tempo attraverso atti di persecuzione psicologica, fisica ed economica. Nell’83% dei casi la violenza è stata operata dal partner o dall’ex. Nell’ultimo periodo di rifermento (luglio 2016-giugno 2017) è stato registrato il numero più elevato di richieste con un incremento del 22,5% rispetto all’anno precedente.

Le donne che si rivolgono al centro antiviolenza sono donne con un livello di istruzione medio-alto, occupate e che subiscono violenza fuori dalle mura domestiche, dall’ex o dal partner non convivente. Per quanto riguarda le straniere, sono in aumento le donne che vivono in una situazione di estrema fragilità economica: donne sole, senza un lavoro fisso.

L’altra faccia della violenza di genere è rappresentata dalla violenza assistita, cioè il dramma vissuto dai figli che vedono, o percepiscono, le proprie madri subire violenza all’interno delle mura domestiche da parte del padre. In questo caso potrebbe rientrare il fatto accaduto a Catania. Solo nel 2016 sono stati 1298 i casi di questo tipo registrati, non solo, l’Istituto degli innocenti ha rivelato un progressivo aumento del numero dei bambini e ragazzi vittime di maltrattamenti.

Un altro mezzo utile per aiutare le donne sopravvissute alla violenza è il ‘Codice Rosa’, un codice per identificare un percorso di accesso al pronto soccorso riservato a tutte le vittime di violenza. Dal 1 gennaio 2013 al 30 giugno 2017 gli accessi sono stati 10.219, di cui 2.577 rilevati negli ultimi dodici mesi.

Pe quanto riguarda i consultori, invece, nel 2016, le donne che vi sono rivolte sono state 596 di cui 81 minorenni, in cui circa il 43,8% del totale sono stati maltrattamenti psicologici, il 36,8% maltrattamenti fisici, l’11,8% negligenza genitoriale e il 7,5% maltrattamenti sessuali.

Non solo le donne, anche gli uomini che riconoscono di tenere un comportamento violento nei confronti del loro partner, possono chiedere aiuto ai centri per uomini autori di violenza. Dal 1 luglio 2016 al 30 giugno 2017 nei quattro centri presenti in Toscana sono stati presi in carico 89 casi, 67 dei quali sono uomini italiani. In circa un quarto dei casi la decisione di rivolgersi ai centri è avvenuta su iniziativa spontanea da parte dell’uomo, in 11 casi è stata invece determinante la spinta da parte della partner o dell’ex, in altri 7 casi sono stati altri familiari o amici a indirizzare l’uomo.


Approfondimenti

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“Harvey” al Teatro degli Arrischianti: un elogio alla follia

La follia che rimane coerente in mezzo ai “sani”: un topos estremamente funzionale, specie in un contesto sociale nel quale sempre più si tende a stigmatizzare la diversità e l’Altro…

La follia che rimane coerente in mezzo ai “sani”: un topos estremamente funzionale, specie in un contesto sociale nel quale sempre più si tende a stigmatizzare la diversità e l’Altro come errori, rispetto al senso comune condiviso. La follia che marchia gli imprevisti, l’incontrollabile, lo squilibrio, è un’autodifesa psichica, insita nel Über-Ich delle società moderne. Fortunatamente la letteratura interviene, ormai da almeno due secoli, a sbugiardare certe innegabili contraddizioni che muovono il giudizio alla base dell’appellativo “pazzo”. In questa tradizione di elogio alla follia, cui sono ascrivibili giganti del teatro, prosa, cinema e poesia come  Erasmo da Rotterdam, Robert Louis Stevenson o Lewis Carroll, si inserisce anche Mary Chase che nel 1944 firma una pièce intitolata Harvey. La vicenda parla di un uomo che «per trentacinque anni ha lottato contro la realtà e l’ha vinta fuggendola».

Harvey va per la prima volta in scena al Teatro della quarantottesima di Broadway il 1 novembre 1944. Resterà nel marquee fino al 15 gennaio 1949, dopo 1775 repliche. Il successo è enorme, tanto che l’anno seguente la Chase vince il premio Pulitzer e, neanche dieci anni dopo il debutto, Henry Koster ne firma una trasposizione cinematografica, per la quale Josephine Hull si aggiudica sia un premio Oscar, sia un Golden Globe, come miglior attrice protagonista. L’Academy di Los Angeles menziona anche James Stewart, protagonista della pellicola, con una nomination al miglior attore protagonista.

La base narrativa è stimolante e storicamente incollocabile. I fratelli Elwood e Veta Louise vivono in una grande casa assieme alla figlia di Veta, Myrtle Mae. Elwood però afferma di avere per amico un grosso coniglio bianco, di nome Harvey, appassionato bevitore e conoscitore del presente, del passato e del futuro. Stanca dei problemi generati dalle stranezze del fratello, decide di farlo internare presso la clinica psichiatrica del Prof. Chumley, soprattutto per evitare che le malelingue dell’alta società cittadina intacchino la reputazione della loro famiglia. Questa è la basa narrativa della commedia, la quale poi si sviluppa secondo una pletora di malintesi, qui-pro-quo, colpi di scena e brillantissimi espedienti drammaturgici, propri della grande commedia americana.

Gabriele Valentini dirige la Compagnia degli Arrischianti nella tripletta di repliche di fine anno, incluso lo spettacolo inserito nel programma del veglione di capodanno del 31 Dicembre: per l’occasione la compagnia si compone di Calogero Dimino nei panni di Elwood, Maria Pina Ruiu che è Veta Louise, Giulia Rossi è Myrtle Mae, Guido Dispenza interpreta il Prof. Sanderson, Martina Belvisi è Miss Kelly, Daniele Cesaretti è Wilson, Stefano Bernardini è il Prof. Chumley, Flavia Del Buono è Betty Chumley, Francesca Fenati è Mrs. Ethel Chauvenet, Giordano Tiberi è Logfren. Ah, e c’è pure il sottoscritto, che interpreta l’Avv. Gaffney.

Tutto ruota intorno alla visione – o “presenza” a seconda dei punti di vista – del  Pùca configurato nella fattezze di un coniglio, Harvey. Il Pùca è una creatura che vede le sue origini nel folklore celtico: uno spirito, generatore di buona e cattiva sorte, che protegge gli “ultimi” della società, amante degli alcoolici e delle persone con la testa fra le nuvole. Il Pùca-coniglio ha ispirato moltissimi espedienti nella cultura popolare, a partire dal Bianconiglio di Alice nel paese delle meraviglie, di Lewis Carroll, e più di recente nel film di Richard Kelly, Donnie Darko. In Harvey, il Pùca è la noce semantica rivelatrice, epifanica, che svilisce qualsiasi pregiudizio sociale, distrugge ogni possibile normalizzazione comportamentale, nell’accettazione delle stranezze e delle “malattie” che sono in fondo le nostre cifre personalizzanti.

Lo spettacolo va in scena a Sarteano il 29 e 30 dicembre alle 21:15, e il 31 alle 22, con il tradizionale veglione in teatro.

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II talento della Valdichiana conquista la Foresta di Sherwood – Intervista a Giulio Benvenuti, in tour con il musical Robin Hood

“Ogni uomo, quando ne ha l’opportunità, è disposto a donare qualcosa per aiutare il prossimo”. Quando pensiamo a questa filosofia indubbiamente ci viene in mente una storia, un cartone animato,…

“Ogni uomo, quando ne ha l’opportunità, è disposto a donare qualcosa per aiutare il prossimo”. Quando pensiamo a questa filosofia indubbiamente ci viene in mente una storia, un cartone animato, che tutti noi, anche per sbaglio, abbiamo sicuramente visto, questa storia, o forse è meglio dire leggenda, è Robin Hood, il ladro che rubava ai ricchi per donare ai poveri.

La storia è narrata da un Gallo Cantastorie, alias Cantagallo, il quale ci racconta le rocambolesche avventure di Robin Hood e il suo migliore amico Little John. Entrambi vivono nella foresta di Sherwood, rubando ai ricchi per dare ai poveri. Lo Sceriffo di Nottingham tenta in tutti i modi di catturare i due impavidi amici, senza mai riuscirsi e scatenando così l’ira funesta del suo boss, il Principe Giovanni. Quest’ultimo si è appropriato del trono dopo la partenza per le Crociate del fratello, Re Riccardo. Consigliato dal perfido Sir Biss, il Principe Giovanni sta rovinando il regno, creando povertà e arricchendo le casse reali. Tra duelli, inseguimenti, gare di tiro con l’arco e romantici incontri, Robin e Little John cercano in tutti i modi di fermare il malvagio tiranno e riportare serenità al popolo intimorito.

La leggenda di Robin Hood, nel 1973, non è passata inosservata ai collaboratori di Walt Disney che han fatto sì che diventasse il ventunesimo classico della casa di produzione. Dopo Walt Disney sono stati molti i registi che hanno ripreso la leggenda declinandola ma tenendo ben saldo il valore principe che vuole tramandare di generazione in generazione, ovvero il desiderio di condivisione.

Tra i registi che hanno ripreso le avventure del coraggioso ladro gentiluomo, che si tramandano ormai da oltre ottocento anni, c’è Mauro Simone. Robin Hood, firmato Mauro Simone e prodotto da Beppe Danti con Tunnel e Medina Produzioni, è interpretato da Manuel Frattini affiancato da Fatima Trotta, giovane attrice rivelazione, nota al grande pubblico come conduttrice di Made in Sud, che svela le sue doti da performer affiancando Manuel nel ruolo di Lady Marian. Tunnel Produzioni e Medina Produzioni stanno portando in giro per l’Italia Robin Hood da ottobre 2017.

Perché vi sto parlando di questo musical? Semplice, perché nel cast, nel ruolo di Little John, il fidato compagno di avventure di Robin Hood, c’è Giulio Benvenuti, torritese doc che ha mosso i primi passi nel musical proprio grazie alla Compagnia Teatro Giovani Torrita e che lo scorso 18 dicembre abbiamo incontrato al Teatro Signorelli di Cortona in occasione della tappa toscana del musical.

Ciao Giulio, in questo momento stai vivendo un’esperienza strepitosa per la tua carriera da attore, hai un ruolo importante in una produzione altrettanto importante e che ripercorre le gesta di uno degli eroi più amati di sempre. Raccontaci qualcosa di questa bellissima esperienza che stai vivendo e come è nata la collaborazione con Tunnel e Medina Produzioni per questo musical.

“Sicuramente è un’esperienza da cui sto imparando tantissimo, soprattutto perché avere la possibilità di stare in scena con grandi artisti è un’opportunità di crescita unica. C’è sempre da imparare qualcosa e c’è sempre qualcosa da “rubare” guardando i grandi artisti all’opera. La collaborazione con la produzione, come spesso succede, è nata tramite un’audizione a cui all’inizio non ero neanche convito di voler partecipare, ma alla fine una “vocina” mi ha detto che era giusto andare e da lì è cominciato il mio viaggio nelle “Terre di Sherwood“.”

 A Giulio Benvenuti è stato assegnato il personaggio di Little John, fidato amico di Robin che lo accompagna in tutte le sue avventure. Giulio raccontami il tuo personaggio, un ruolo importante, ti aspettavi questa parte?

“Devo ammettere, che data la mia “stazza”, il ruolo di  Little John mi calza abbastanza bene ed è stato una vera scoperta. Grazie al nostro regista, Mauro Simone, improvvisamente questo “orso buono” ha preso forma e Little John non è solo l’aiutante di Robin ma è soprattutto il suo più caro amico, il loro rapporto è unico e autentico basato sulla fiducia e sul supporto reciproco”.

Giulio Benvenuti ha mosso i suoi primi passi nel musical proprio con la Compagnia Teatro Giovani Torrita, sotto la guida di importanti insegnamenti impartiti da Maria Laura Baccarini, Franco Travaglio, Manuel Frattini, Roberto Giuffrida, Fabiola Ricci. Dopo il liceo, al momento di decidere del suo futuro, Giulio non ha avuto dubbi, la sua strada era il musical e la possibilità di far diventare quella passione il suo lavoro e così è stato. Giulio si è trasferito a Roma e si è iscritto alla Teatro Golden Academy che gli ha permesso di formarsi in modo professionale. Giulio, guardando indietro, chi è la persona che più ti ha insegnato in questo lavoro?

“In tutta onestà devo dire che sono stato davvero fortunato perché nel corso di questi anni di studio e lavoro ho avuto il piacere di incontrare persone davvero speciali ed estremamente competenti. Sicuramente Fabiola Ricci è stata una figura fondamentale per la mia crescita artistica; e poi l’incontro con Laura Ruocco è stato quello che ha dato un po’ il via alla mia carriera professionale”.

Prima di interpretare Little John in Robin Hood, Giulio Benvenuti è stato interprete di molti musical e nonostante la sua giovane età può già vantare molte collaborazioni importanti come in ‘The Best of musical” diretto da Chiara Noschese, “Garbatella futbol cleb”, diretto da Michele La Ginestra, e poi ancora “C’è qualche cosa in te…” per la regia di Enrico Montesano, e ancora nel 2012 ha preso parte in “Amleto contro la Pantera rosa” diretto da  Augusto Fornari e prima ancora nel “The Wedding Singer” e nel “The Rocky Horror Experience” diretto da Fabiola Ricci. Qual è il musical che ricordi in particolar modo e perché?

“Credo sia “C’è qualche cosa in te” una commedia musicale con Enrico Montesano, che è stato il mio primo lavoro dopo l’accademia. Ricordo perfettamente il giorno della prima (tre l’altro era anche il mio compleanno!), l’ansia per il debutto, la gioia, l’emozione incredibile ai saluti finali… si direi che il detto “Il primo lavoro non si scorda mai” è azzeccatissimo”.

Ambizione, coraggio, amore e avventura, sono tutti gli elementi che possiamo ritrovare nel musical in cui tu sei attualmente impegnato, ma sono anche un po’ i principi che ti hanno accompagnato nella tua vita fino ad ora. Tutti tasselli importanti e necessari per poter riuscire a fare della tua passione il tuo lavoro, se potessi dare dei consigli ai giovani che vorrebbero avvicinarsi al mondo dello spettacolo, nel tuo caso il mondo del musical, cosa ti sentiresti di dire?

“Per i ragazzi che vogliono avvicinarsi al musical il consiglio che do, anche se forse scontato, è: STUDIATE!. Servono tanta tecnica sia nel canto che nella danza, ma non bisogna dimenticarsi della parte attoriale, perché è la più importante: ogni cosa che facciamo sul palco ha un unico obiettivo, quello di raccontare una storia, e solo i grandi attori riescono a farlo in maniera credibile…anche appesi a testa in giù!”

Robin Hood e Littel John, insieme ai suoi amici, avventori, banditi, arcieri, dame, ancelle e servitori, continueranno a girare l’Italia per tutto il 2018 e per raccontare al pubblico le vicende di un uomo che vuole diventare un eroe semplicemente aiutando i più poveri in una delle leggende più belle di tutti i tempi.

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Edicola Mario – Troppi mercatini?

Mario è un edicolante dalla natura particolare: sempre scontroso e scostante, ma con un grande amore per la propria terra. Grazie alla sua attività riesce sempre ad essere un punto…

Mario è un edicolante dalla natura particolare: sempre scontroso e scostante, ma con un grande amore per la propria terra. Grazie alla sua attività riesce sempre ad essere un punto di riferimento per la comunità, mantenendo aggiornati i propri compaesani sulle vicende della zona. L’edicola di Mario è il modo più divertente per capire la realtà che ci circonda!

“L’edicola di Mario” di Michele Bettollini: troppi mercatini?

Tutte le strip di Michele Bettollini nella speciale galleria: L’edicola di Mario

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Il ritorno del Messicano Cattivo: intervista ai The Bad Mexican

Nel Maggio 2013, un live dei Bad Mexican ad un festival locale degenerò nella totale anarchia. Quella che – secondo la scaletta – doveva essere un’esibizione di un’ora e dieci,…

Nel Maggio 2013, un live dei Bad Mexican ad un festival locale degenerò nella totale anarchia. Quella che – secondo la scaletta – doveva essere un’esibizione di un’ora e dieci, sforò le due ore. Il pubblico, galleggiante tra i miasmi di alcool – e di altri additivi che sarebbe disdicevole qui elencare – cominciò a gonfiare profilattici come palloncini e farli galleggiare in aria. Tommaso Dringoli rumoreggiava nel microfono, muovendo solo le spalle, come un esoscheletro fosforescente sotto la luce dei led e delle teste mobili, mentre Filippo Ferrari esortava il pubblico ad incrementare la componente di caos del concerto. Matteo Salutari cavalcava le ritmiche alla batteria e Davide Vannuccini – entrato ormai nell’organico del ‘messicano cattivo’ – teneva le redini della rumoristica con la sacca preponderante dell’elettronica.  Non si trattava di una semplice decostruzione della forma canzone, ma della scomposizione di un intero artistico: il suono della band riusciva a controllare l’entropia delle cose e sistematizzarle, renderle funzionali all’espressività.

In quel periodo i Bad Mexican avevano fortificato la loro posizione all’interno del panorama musicale alternativo italiano: la Lizard Records aveva prodotto il loro disco This Is the First Attempt of a Band Called The Bad Mexican e molte fanzine europee e americane celebrano il disco, esaltando le capacità della band poliziana di superare le forme chiuse del death metal – poiché i tre si formano dopo lo scioglimento della mitologica band dei Valkyrian – e di lì a poco sarebbe decollato il fortunato crowdfunding su Musicraiser per la produzione del sophomore, semplicemente intitolato Due.

Tommaso Dringoli e Filippo Ferrari hanno risposto alle domande de La Valdichiana, in visione del live al GB20 di sabato 23 dicembre. L’ingresso al concerto è gratuito con tessera CAT 2017.

Sono passati tre anni dall’uscita di “Due”. Sono piovute recensioni positive, live sparsi in giro: cos’è successo poi? Dove è stato il ‘Messicano Cattivo’ in questo lasso di tempo? Soprattutto, che cosa ha ascoltato?

E’ successo che la fase di promozione si è fermata nel momento stesso in cui le nostre vite al di fuori del gruppo hanno preso percorsi più impegnativi: chi ha cambiato lavoro, chi si è trasferito… Per questo ed altri motivi il “Messicano Cattivo” è entrato in quello che potremmo definire uno stato di quiescenza indeterminata. Sugli ascolti poi non mi esprimo, potrei dirti i gruppi che sto seguendo io, ma non sarebbe giusto né interessante.

Due è uscito per Lizard Records, ormai un’autorità discografica indipendente per quanto riguarda l’avanguardia e il prog in Italia; siete anche apparsi in un volume firmato da Massimo Salari, intitolato Rock Progressivo Italiano 1980 – 2013; Suonate, sabato, al GB20, un club che sta affinando le sue scelte artistiche in maniera sempre più definita, verso l’avanguardia: Come vi comportate con i generi? Percepite la vostra musica come ‘progressive’, come ‘sperimentale’, o qualsiasi altra etichetta critica? Cos’è per voi “l’avanguardia”?

Alla domanda sull’avanguardia non saprei rispondere, personalmente la trovo un’etichetta estremamente rigorosa e se vuoi accademica, che poco si addice a cosa facciamo e al come. In questi anni abbiamo avuto l’immensa fortuna di essere riusciti a creare un contenitore sonoro totalmente libero, portato avanti da un senso di anarchica leggerezza che ci ha sempre condotti in luoghi se vuoi banali, se vuoi caotici, ma sempre dannatamente divertenti.

Certi fraseggi in Due, ma soprattutto in This Is the First Attempt of a Band Called The Bad Mexican, sembrano giocare su un sottile equilibrio tra la long-form della ‘suite musicale’ – in stile Tool, nelle fasi più aggressive, o Don Caballero e Slint, nelle fasi più ‘tranquille’ – e invece la forma chiusa della “canzone”: con strofe e ritornelli ben definibili. Come vengono fuori le canzoni dei Bad Mexican? Quanta componente di improvvisazione c’è in fase di scrittura?  

Le nostre canzoni partono sempre da un’idea se vuoi abbastanza rigorosa, precisa, che finisce poi per passare da quel contenitore anarchico di cui parlavo prima: c’è chi spinge sul pedale della sregolatezza sonora, chi fornisce eleganza e compattezza agli arrangiamenti, chi regala l’idea vincente dopo ore di stallo. Il nostro carburante è sempre stato il rispetto reciproco e l’enorme fiducia che abbiamo sempre riposto l’uno nell’altro.

Cosa potete rivelare del live di Sabato? Con quale disposizione dovrebbe presentarsi il pubblico del GB20? 

Nessuna disposizione ma una richiesta: presentatevi sereni e pronti a divertirvi perché alla fine è di quello che si tratta: di una bellissima festa che celebreremo insieme. Ah, e portate le pentole.

Adesso potete aiutarci a risolvere il rebus che appare nel bootleg di “This Is The First Attempt…” ? 

Sabato lo risolveremo tutti insieme, così potrete darci una mano.

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Nessuno, atto 2: sviluppo e immaginazione

Sono ormai arrivata al secondo mese di “gravidanza”, un mese particolare per una aspirante regista, così come per una mamma. In questo momento tutto deve conciliare, ogni margine deve essere…

Sono ormai arrivata al secondo mese di “gravidanza”, un mese particolare per una aspirante regista, così come per una mamma. In questo momento tutto deve conciliare, ogni margine deve essere definito e oltre a quello non si può andare. Il mio bambino delle forme comincia ad averle, sono sicura che da questa ecografia riuscirete a vederlo e non vi sembrerà semplicemente un feto, ma uno spettacolo, qualcosa che nasce.

In questo mese la nostra compagnia si è arricchita dell’ultimo personaggio, si sono strette collaborazioni con gli scenografi Nico e Federica, si è creata la collettività sperata, e anche la storia è stata quasi ultimata. In pratica è come se questo bambino cominciasse già a sviluppare le mani che saranno fondamentali nella sua vita, per toccare le cose; in fondo è come se le mani conoscessero la verità prima di noi. Per non parlare di come respira: non potrei dire che respira a pieni polmoni, ma sta già cominciando a capire come sia quella sensazione. Gli organi principali quali lo stomaco, l’intestino, il pancreas hanno cominciato a dare già i primi segni di riconoscimento, ci vorrà del tempo prima che possano cooperare tutti assieme per la vita di quell’essere che ha bisogno di loro per esistere.

E gli organi di questo “bambino” per me sono i personaggi: Mila, carismatica, matura, cresciuta troppo in fretta e determinata. Hana, capace di mostrare una fittizia vivacità, apparentemente spensierata, empatica e un po’ ingenua. Peter, un giovane soldato ambizioso, figlio di una vita un po’ crudele nei suoi confronti, con un guscio troppo duro nel quale a volte non riesce più a entrare e dal quale è ancora più difficile uscire. Tomi, insicuro, sensibile, riflessivo, emotivo e troppo fragile per avere accanto a sé un amico come Peter, ma più coraggioso di quanto possa sembrare. Interpretati rispettivamente da Benedetta Margheriti, Emma Bali, Giovanni Pomi e Riccardo Laiali, attori di provenienze diverse, compagnie diverse e strade diverse, ed è questa diversità ciò che farà sicuramente trovare fra loro un nucleo che possa esprimere al meglio il messaggio di questa storia.

Ma la parte più bella sta iniziando, quella in cui ogni mamma inizia a immaginarsi il suo piccolo: come sarà, di che colore avrà gli occhi, saranno grandi, piccoli, a mandorla o rotondi? E cosa sarà bravo a fare? Giocare a calcio, a tennis, diventerà una ballerina, sarà alta, bassa? Insomma ogni mamma in questa fase inizia a crearsi delle aspettative che poi – stando a quanto dicono tutte – vengono sempre disattese, naturalmente in meglio. Perché finché non ci sei, finché non sarà quel giorno, non ci si può minimamente immaginare la sensazione che si ha quando si vede per la prima volta quello che è stato dentro di noi per così tanto tempo.

Questo spettacolo me lo immagino altalenante, un climax di emozioni pervaderà il mio corpo prima di quello degli attori e del pubblico. So che avrò la pelle d’oca lungo la schiena, so che in qualche parte mi commuoverò, ma non posso sapere altro, perché anche io, come voi, quello spettacolo lo vedrò la sera stessa. E allora nei mesi successivi potrò dire com’è stato, ammesso che la troppa emozione non offuschi i ricordi.

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I ROS a X-Factor: tutto il percorso

I ROS sono una giovane band della Valdichiana attiva da poco più di due anni, composta da Camilla Giannelli alla voce e alla chitarra, Lorenzo Peruzzi alla batteria e Kevin Rossetti al basso (qui…

I ROS sono una giovane band della Valdichiana attiva da poco più di due anni, composta da Camilla Giannelli alla voce e alla chitarra, Lorenzo Peruzzi alla batteria e Kevin Rossetti al basso (qui potete trovare l’intervista sui loro esordi, a cura di Tommaso Ghezzi). Nel corso della nuova edizione del talent show musicale di Sky, hanno partecipato a X Factor 11, superando i vari livelli di selezione dai provini fino alle esibizioni live. In questo speciale troverete tutte le tappe del loro percorso!


Eliminati i ROS, a un passo dalla finale di X Factor (07/12/17)

I ROS non riescono ad accedere alla finale di X Factor Italia, uscendo alla semifinale al termine di un lungo percorso, carico di emozioni e soddisfazioni. Anche se non hanno raggiunto l’ultima puntata, Camilla, Kevin e Lorenzo hanno saputo coinvolgere migliaia di nuovi fan in tutta Italia, presentando un brano inedito e tante energiche esibizioni.

Il settimo live show di X Factor 11 era iniziato con un medley degli ultimi successi di Levante, a cui hanno partecipato anche gli ultimi concorrenti rimasti in gara. Durante la prima manche sono stati presentati nuovamente i brani inediti, e i ROS hanno dato fiato a tutta la loro energia con “Rumore”; la seconda manche li ha invece visti esibirsi con “Acida” dei Prozac+.

I voti del pubblico hanno promosso direttamente alla finale i Maneskin, Lorenzo Licitra ed Enrico Nigiotti. I ROS sono andati quindi alla sfida con Samuel Storm, quarto ballottaggio del loro percorso nel talent show di Sky. La loro versione di “I only lie when I love you” dei Royal Blood non ha purtroppo convinto i giudici, che hanno scelto di salvare Samuel Storm, con l’unico voto a favore di Manuel Agnelli.

Si chiude così l’avventura dei ROS a X Factor, che hanno comunque solcato l’importante palcoscenico del talent show per tutta l’edizione, dimostrando il loro valore e la loro energia.


I ROS accedono alle semifinali di X Factor Italia (30/11/17)

Al termine di un’emozionante puntata di X Factor 11, il trio dei ROS riesce a qualificarsi per le semifinali, a dimostrazione di un percorso di crescita musicale e artistica che ha stupito il pubblico e i giudici del talent show di Sky Italia. Un obiettivo che all’inizio del percorso sembrava distante, e che invece ha visto i giovani ragazzi originari della Valdichiana acquisire numerosi consensi, anche con la presentazione del loro brano inedito “Rumore” durante la scorsa puntata.

La sesta puntata live di X Factor 11 si è aperta proprio con l’esibizione dei ROS, a cui il giudice Manuel Agnelli aveva affidato il brano “Killing in the name” dei Rage Against the Machine. Un pezzo difficile, arrangiato in maniera energica, che ha convinto sia i giudici che il pubblico, tanto da portare il gruppo direttamente alla seconda manche, schivando l’eliminazione subita da Rita Bellanza.

Durante la seconda manche i ROS hanno portato “Future Starts Slow” dei The Kills: un altro brano che ha messo in luce la crescita vocale e musicale di Camilla, Lorenzo e Kevin. L’esibizione non è stata sufficiente per garantire il passaggio diretto, tanto che la band è finita a rischio eliminazione con Andrea Radice. I ROS si sono giocati la loro chance per andare avanti con “L’unica cosa” di Marta sui Tubi: sono stati i giudici, con l’unico voto a sfavore di Mara Maionchi, a eliminare Andrea Radice e garantire loro il passaggio alla prossima puntata.

I ROS si aggiudicano così un posto alle semifinali di giovedì 7 dicembre, assieme a un gruppo ristretto di concorrenti composto da Enrico Nigiotti, Samuel Storm, Lorenzo Licitra e i Maneskin.


I ROS convincono con il brano inedito “Rumore” (23/11/17)

Ancora un passo avanti per i ROS, che convincono i giudici e il pubblico e con il loro brano “Rumore” proseguono il loro percorso verso la prossima puntata di X Factor 11. La quinta puntata dei live era una delle più importanti del talent show musicale di Sky: i concorrenti avevano infatti l’opportunità di presentare i loro inediti, entrando nella fase più difficile del percorso.

I ROS hanno fatto valere tutto il loro carattere, con un brano che è una scarica punk rock e che rende pienamente giustizia al titolo. “Il brano è coerente con il percorso – ha commentato la giudice Levante – e rappresenta il rumore che volete fare”. Altro parere positivo da Manuel Agnelli, che è il giudice della band: “Siete una delle cose più particolari di X Factor, da vent’anni non abbiamo un gruppo del genere”. Nonostante i ROS avessero già numerose canzoni originali da presentare in gara, hanno deciso di comporre un brano completamente nuovo, nella sala prove milanese della produzione di X Factor. All’arrangiamento e ai suoni ha lavorato anche Tommaso Colliva, già produttore di Muse e Franz Ferdinand, candidato ai Grammy Awards nel 2013.

La quinta puntata dei live di X Factor era iniziata con un medley dei più grandi successi dei Negramaro, cominciata dai concorrenti rimasti in gara e conclusa proprio dalla band ospite. Dopo la prima manche con gli inediti, nella seconda manche i concorrenti hanno interpretato delle hit: i ROS si sono esibiti con “Song 2” dei Blur, conquistando l’accesso alla puntata successiva del talent. Alla fine il concorrente eliminato è stato Gabriele Esposito, della categoria Under Uomini.

L'inedito dei Ros

I #Ros sono a #XF11 per rivendicare un diritto: quello di fare "Rumore"!Mettete a palla! 🔊

Pubblicato da X Factor Italia su Giovedì 23 novembre 2017


I ROS volano verso la quinta puntata dei live (16/11/17)

Nessuna sofferenza nella quarta puntata dei live di X Factor 11: dopo due passaggi ottenuti sul filo del rasoio con il tilt finale, questa volta la giovane band della Valdichiana ha conquistato direttamente l’accesso alla prossima puntata dei live, grazie a una convincente esibizione. L’esplosivo trio si è cimentato con “Why’d You Only Call Me When You’re High?” degli Arctic Monkeys, che ha messo in luce le loro competenze musicali e le capacità vocali di Camilla.

“I ROS hanno il loro carattere – ha affermato il loro giudice, Manuel Agnelli – che è un valore aggiunto”. Opinione positiva condivisa anche da parte del pubblico, che ha fatto volare i ROS direttamente alla quinta puntata dei live, con la possibilità di esibirsi con un loro brano inedito. A lasciare il talent show di Sky durante la puntata del 16 novembre è stata Camille Cabaltera, riducendo ulteriormente il numero dei concorrenti che possono ambire alla vittoria di X Factor 11.

 


Un’altra vittoria al tilt di X-Factor per i ROS (09/11/17)

I ROS continuano il percorso nell’undicesima edizione di X Factor Italia, dopo un lungo percorso che sta facendo crescere l’interesse attorno alla loro musica. Durante la terza terza puntata dei live di giovedì 9 novembre, il trio composto da Camilla Giannelli, Lorenzo Peruzzi e Kevin Rossetti era consapevole delle critiche ricevute dai giudici per la scorsa esibizione. La puntata aveva come tema, relativo alle assegnazioni dei brani, il “nuovo millennio”: le canzoni avevano quindi in comune la datazione dell’uscita discografica, tra il 2001 e il 2017. Manuel Agnelli ha assegnato loro un brano dei Muse, “Supermassive Black Hole”, contenuto nel disco “Black Holes and Revelations” del 2006. Il pezzo rientrava perfettamente nelle corde della band chianina, tanto da far esclamare a Lorenzo Peruzzi, durante la clip pre-esibizione, «I Muse per noi sono un monumento».

L’esibizione ha lasciato i giudici — Agnelli escluso — abbastanza tiepidi nei giudizi. Nessuno di loro si è sbilanciato. Mara Maionchi ha ironizzato sul ‘tapping’ e sul virtuosismo di chitarra azzardato da Camilla durante la performance. Manuel Agnelli ha insistito sul considerare la band come un unicum nel panorama musicale italiano. Nella tranche di esibizioni, insieme ai ROS, c’erano anche Camille Cabaltera, Lorenzo Licitra, Samuel Storm e i Maneskin. Tra questi il pubblico ha sancito, attraverso il televoto, di mandare allo scontro finale proprio i ROS.

La band di Camilla, Kevin e Lorenzo, ha sfidato Sem e Stenn, loro compagni di categoria, i quali risultavano i meno votati della seconda porzione di performance. Nello scontro finale il brano portato dai ROS è stato “Nessuno mi può giudicare” di Caterina Caselli, mentre Sem e Stenn hanno osato con “This is Not a Love Song” dei Public Image Ltd.

Dopo entrambe le esibizioni i giudici, di comune accordo, hanno deciso di mandare volontariamente il voto in tilt, con due voti per i ROS e due per Sem e Stenn. Il pubblico, nei 200 secondi in cui viene aperto il televoto, ha decretato l’eliminazione di Sem e Stenn e la salvezza per i ROS che continuano quindi il loro percorso all’undicesima edizione di X Factor.

 


I Ros vincono ai Tilt e proseguono il percorso a X-Factor (02/11/2017)

L’energia dei ROS, nella seconda serata delle esibizioni live di X-Factor 11, non ha convinto del tutto i giudici che li ha mandati ai tilt contro Virginia Perbellini della categoria Under Donne. I ROS, con look rock-glam, si sono presentati con un grintoso arrangiamento della dolcissima canzone ‘Fiori d’Arancio’ di Carmen Consoli. Dopo la loro esecuzione, tra i giudici sono venuti fuori i primi screzi: Levante ‘avrebbe voluto sentirli cantare un po’ di più e urlare un po’ di meno’, ovviamente Agnelli ha difeso il suo gruppo sottolineando che ‘quello dei ROS è cantare’.

Mara Maionchi, dello stesso avviso di Levante, ha aggiunto che le esecuzioni dei ROS la annoiano, Fedez ha apprezzato l’esecuzione dei ROS ma anche lui vorrebbe sentirli cantare in modo diverso, per Manul Agnelli invece non devono assolutamente cambiare il loro stile perché rappresentano la diversità del programma, affermazione che ha trovato un grande riscontro nel pubblico che li ha fatti vincere ai tilt mandandoli dritti alla terza serata dei live.

 


Continua il percorso dei ROS a X-Factor 11: buona la prima! (26/10/17)

La prima serata delle esibizioni live di X-Factor 11 ha visto la conferma del talento e delle grandi capacità dei ROS, la band originaria della Valdichiana e composta da Camilla Giannelli, Lorenzo Peruzzi e Kevin Rossetti, che nel corso delle scorse settimane aveva conquistato il giudice Manuel Agnelli durante i provini, i bootcamp e gli home visit.

C’era grande attesa per la prima esibizione dei ROS, che non è stata tradita: i ragazzi hanno infatti interpretato “Il cuore è un battito di ciglia” di Francesca Michielin, in maniera energica e appassionata. “Sono in tre ma fanno casino per dieci, con una leader donna. — ha commentato il giudice Manuel Agnelli — Per me l’identità è la cosa più forte, più forte del talento. La band è una bomba, sono molto orgoglioso”

La prima serata di X Factor 11 si era aperta con una forte presa di posizione contro il sessismo, a difesa delle donne vittime di molestie. Tra gli ospiti della serata lo stesso giudice Fedez, duettando con J-AX. Il primo eliminato è stato Lorenzo Bonamano, della categoria Under Uomini; i ROS proseguono quindi il loro percorso nel talent show di Sky, e la prossima settimana li attenderà una nuova esibizione live.

 


I ROS passano ai live di X-Factor 11 (19/10/17)

Continua il successo dei ROS nel talent show musicale di Sky Italia: dopo aver superato i provini e i bootcamp, con una pregevole interpretazione di “Svalutation” che si è meritata la standing ovation del pubblico e l’approvazione dei giudici, i giovani ragazzi provenienti dalla Valdichiana hanno superato anche gli “Home Visit” e si sono conquistati il diritto di accedere ai live dalla prossima puntata di giovedì 26 ottobre.

Nella serata del 19 ottobre si sono svolte infatti le ultime selezioni: il giudice della categoria dei gruppi, Manuel Agnelli, li ha portati a Manchester, città importantissima per la storia del rock alternativo negli anni ’80, e che a maggio è stata colpita dal terribile attentato al concerto di Ariana Grande: lo stesso Agnelli ha vissuto in questa città nel 1984, prima di fondare gli Afterhours, una volta tornato a Milano l’anno successivo.

La prova prevedeva l’arrangiamento e l’esibizione di un brano, da analizzare assieme a un ospite: in questo caso si trattava di Skin, la famosa cantante inglese degli Skunk Anansie. Ai ROS è stato assegnato il brano “Believer” della band statunitense Imagine Dragons. La loro prova ha convinto sia Skin che Manuel Agnelli, tanto da meritarsi il passaggio ai live assieme ai Seme Stenn e ai Maneskin. Da giovedì 26 ottobre la band composta da Camilla Giannelli, Lorenzo Peruzzi e Kevin Rossetti potrà quindi esibirsi in diretta televisiva e proseguire il percorso a X-Factor 11.

 


Standing Ovation per i ROS a X-Factor 11 (05/10/17)

Dopo aver brillantemente superato i provini, i ROS hanno nuovamente conquistato i giudici di X Factor, il talent show di punta di Sky Uno. Durante la serata di giovedì 5 ottobre la band si è infatti esibita con la loro versione di “Svalutation” di Adriano Celentano suscitando l’approvazione e l’ammirazione dei giudici. È stato proprio Manuel Agnelli a giudicare “pazzesca” la loro esibizione e a inserire i ROS nella propria squadra, durante il meccanismo dei “Bootcamp” che prevede la scrematura dei vincitori dei provini per accedere a un ulteriore fase di selezione. Fase che i ragazzi della Valdichiana hanno superato con successo, conquistandosi anche un’emozionante standing ovation da parte del pubblico in platea.

Continua così il percorso dei ROS (composti da Camilla Giannelli, Lorenzo Peruzzi e Kevin Rossetti) all’interno del talent show di Sky, con una ulteriore dimostrazione del loro valore; la prossima tappa sarà quella degli “Home Visit” di giovedì 19 ottobre, in cui il giudice Manuel Agnelli deciderà i partecipanti alla fase finale dello show e l’accesso alle puntate in diretta.

 


I ROS superano il provino di X-Factor 11 (28/09/17)

Importante affermazione dei ROS, giovane band della Valdichiana, nella nuova edizione di X Factor, uno dei talent show musicali più importanti a livello nazionale: durante i provini andati in onda su Sky Uno nella serata di giovedì 28 settembre, infatti, i tre ragazzi hanno superato la prima fase delle audizioni grazie a un’ottima interpretazione di “I Put a Spell on You” di Screamin’ Jay Hawkins. I quattro giudici di X Factor hanno premiato l’esibizione dei ROS con quattro “Sì”, permettendo loro di accedere alla fase successiva.

I ROS sono composti da Camilla Giannelli (voce e chitarra), Lorenzo Peruzzi (batteria) e Kevin Rossetti (basso). Sono attivi da oltre due anni nel territorio della Valdichiana e si sono fatti notare nei principali festival locali, ricevendo un buon riscontro da parte del pubblico; hanno quindi deciso di tentare l’avventura di partecipare al talent show di Sky, e l’ottimo risultato raggiunto durante la prima fase dei provini ha premiato la loro ambizione, permettendo ai tre ragazzi di accedere alla fase successiva del programma.

 

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